Pitada | Música em todos os sentidos

Uma pitada de Bárbara Eugênia.

2011-12-03T19:40:00.004-02:00

Bárbara Eugênia - O Tempo from Bárbara Eugênia on Vimeo.

O vírus da melancolia se espalhou entre os artistas da novíssima música brasileira. Aparece em variados tons, como no indie-sambinha feito por Marcelo Camelo, na bossa-rock de Nina Becker, no folk-florido de Tiê e na psicodelia-tropical do Cidadão Instigado. E, agora, na voz rouca da morena Bárbara Eugênia. Com rosto delicado e jeito de menina, a carioca desfaz-se do estereótipo de cantora fofa num rock visceral, à la PJ Harvey, registrado em seu primeiro álbum, “Journal de BAD” lançado em 2010 e que vai além, muito além, do grupo de adjetivos tolos que insistem em rondar as chamadas “novas cantoras”.

Nele, a cantora fala sobre rompimentos, decepções e vaivéns do amor, em letras que assume serem autobiográficas –ainda que algumas ganhem “floreios”. Assim, o disco abre com “Agradecimento”, ao ex-marido, cuja separação levou-a a deixar o Rio há cinco anos. “A Chave” trata de típica reação masculina: a do rapaz que foge quando a moça fala de casamento. Nada como saber rir sobre a causa de nossas tristezas. Suas confissões são embaladas por rockinhos de todas as nuances, do iê-iê-iê a Tropicália e do rock francês ao italiano. Nessa jornada, ela segue em companhia de Tom Zé — com quem divide os vocais em “Dor e Dor”-, Otto, Pupillo e Dengue (Nação Zumbi), Junio Barreto, Karina Buhr e Tatá Aeroplano.

Aos produtores Jr. Bocca e Dustan Galas, coube criar para cada faixa um clima diferente – indo da fossa total de “Dos Pés” à lisérgica “Drop the Bombs”. A atmosfera que envolve a música da Bárbara lembra coisas delicadas, românticas e, ao mesmo tempo, um rock daqueles Cantar é importante, mas ter algo a dizer éhttp://www.blogger.com/img/blank.gif mais importante ainda.

Seu caminho começou a se desenhar em 2007, ao encontrar o produtor Apollo 9, que a chamou para cantar na trilha sonora do filme “O Cheiro do Ralo”, de Heitor Dhalia. Em seguida, participou de um projeto do guitarrista Edgar Scandurra interpretando músicas de Serge Gainsbourg e dos shows do 3NaMassa. Devidamente enturmada, Barbara pôde, enfim, abrir o coração. Bem longe da bossa.

E o melhor vem agora: o primeiro show em solos cariocas de Bárbara Eugênia será ao lado da Festa Pitada, no dia 09 de dezembro (sexta que vem!), no Rival +Tarde. Espalhem por aí e mandem seus nomes para lista@pitada.org para pagar R$ 20 de entrada. Vai ser elegante!

Justice: corajoso e divertido.

2011-11-27T19:37:00.000-02:00

Quem pode fazer mais barulho que o Justice? Essa foi uma das perguntas mais frequentes do mundo da música nos últimos 4 anos, desde o lançamento de “†”. A dupla francesa http://www.blogger.com/img/blank.gifformada por Xavier de Rosnay e Gaspard Augée acabou virando o padrão pelo qual se media a intensidade de qualquer disco lançado nesse período. E de fato, praticamente ninguém falou tão alto nesses últimos tempos quando a dupla. A violência crua de “Waters of Nazareth”, “Phantom” e “Stress” chegaram a níveis estratosféricos ao vivo, em uma apresentação que seria impossível de esquecer por todos que estiveram lá, ungidos na coletividade do barulho evangélico. Como falar mais alto que isso?

A dupla deve ter coçado muito a cabeça para responder essa pergunta. Na realidade, nem o Justice consegue falar mais alto que o Justice de “†”. Inteligentemente, os franceses mudaram de tática. Xavier e Gaspard compuseram um disco que prima pela composição em primeiro lugar. A experiência com barulho sintetizado e distorção entra na história como mais um dos elementos da paleta sonora dos dois produtores. Sai o electro banger, entra prog-rock com timbragens eletrônicas, em faixas com influência de bandas como King Crimson, Yes, Emerson, Lake & Palmer, Led Zeppelin e Black Sabbath.

Em “Audio,Vídeo,Disco”, Xavier e Gaspard se posicionam como músicos, acima de tudo. O miolo do disco traz várias faixas instrumentais que funcionam como um display brilhante de neon das capacidades de composição da dupla. Arranjos rebuscados em escalas barrocas (a música de câmara tradicional europeia é uma outra grande influência da dupla que salta aos ouvidos no disco), solos de guitarras e sintetizadores que não perdem em nada para grandes clássicos da história do rock, produção cristalina, harmonias vocais, a capacidade de juntar diversos tipos de sonoridades, tanto analógicas e tradicionais quanto digitais e inovadoras, em composições com início, meio e fim… Enfim, um banho de técnica.

Há quem diga que isso tudo é uma grande masturbação e, de fato, frente ao arroubo pop e electro de “†”, pode até se dizer que sim. O disco tem até seus momentos mais imediatos, como “Newlands” e a faixa título, mas fica uma ligeira sensação de que falta um outro par de hits, um pouquinho mais daquela descarga elétrica de 220v que foi “†” e a apresentação ao vivo. Para os desavisados, pode até parecer outra banda.

Se “Audio,Video,Disco” diz alguma coisa sobre o Justice é que a dupla definitivamente não é um embuste. Os dois franceses já haviam subvertido a fórmula em 2007 e se distanciam novamente de toda a legião de artistas seguidores com um disco corajoso e divertido. Talvez os próximos shows não sejam tão inflamados quanto os anteriores, mas falar mais alto não significa ter mais o que dizer.

Justice - Helix by Xavclaire

Justice - Newlands by FranklinP

Mixtape = Música para cozinhar.

2011-11-14T16:02:00.001-02:00

O RIOetc Musical primaveril está no ar, servido em jarras e brisas mornas e, cada vez mais, saboreado pelos ouvidos.

Imaginem um mundo em que o nosso cotidiano fosse sonorizado, e não me refiro a solitários iPods socados nas orelhas e baixas compressões de MP3. Que tal um mundo em que um DJ supremo e onipresente – tal como em “Deus é um DJ?”, de Falk Richter -, do alto não sei de onde, sempre acertaria na música e, ao pedalarmos na Lagoa, curtirmos a praia na Garcia, caminharmos nas Paineiras, papearmos no BG, namorarmos no Jardim Botânico, acordarmos na feirinha da Glicério, estaríamos envoltos e acompanhados daquela trilha ideal para aquele momento específico.

Trilhas para esvaziar a cabeça, para ouvir alto e animado, para colocar as idéias em prática, para manter o pique, para transformar momentos simples em lembranças únicas, para quebrar o gelo, para curtir juntinho, para um belo café da manhã, para aquele banheira demorada. Música para acompanhar você durante todo o caminho.

Esta primeira trilha serviu como música para os chefs-camaradas Rafael Doria e Vitor Lassance colocarem aquele tempero extra em um almoção de sábado lá em casa para os amigos. Uma trilha cheia de aromas, sabores e ritmos crocantes, picantes e preguiçosos.

Diga-nos se a trilha inspirou uma receita exótica e também para qual momento você gostaria que fosse a próxima trilha da coluna RIOetc Musical.

01 Pitada para cozinhar by Pitada

01 / Laisse Tomber Les Filles / France Gall
02 / Assim Assado / Secos & Molhados
03 / Ugo In Love / Rabih Abou-Khalil
04 / Populi / Cos
05 / Sindiza Ngecadillacs / Miriam Makeba
06 / The Millionaire / Palhaço Carequinha
07 / J.A.N. (Jive Ass Niggaz) / Quasimoto
08 / Ritmo / Brazilian Octopus
09 / Cavaleiro de Aruanda / Ronnie Von
10 / Minha Felicidade Racional / Tim Maia

O toque de Mallu Magalhães.

2011-11-05T15:56:00.003-02:00

Desde o surgimento de Mallu Magalhães como fenômeno na internet já se passaram 4 anos. Na época, Mallu tinha uma imagem de garota confusa, aquela introspecção desajeitada bem comum a muitos prodígios. A pergunta que muitos se faziam era se Mallu era de fato uma garota com muitas qualidades que estavam prestes a desabrochar ou se ela era só esquisita mesmo. Depois de dois discos, a resposta começou a ficar mais clara.

“Pitanga”, o terceiro LP de Mallu, é um reflexo do amadurecimento da sua autora, tanto como mulher quanto como compositora. O disco de 12 faixas teve o processo de gravação amplamente documentado por Mallu em seu blog e, como a própria sempre diz em entrevistas, “a música contida no trabalho reflete seus sentimentos no período”. E ao ouvirmos “Pitanga” enxergamos apenas uma coisa: a garota está apaixonada.

Sim, Mallu respira, compõe e canta Marcelo Camelo. Da sua forma inocente e brincalhona, a garota canta um sentimento puro e bonitinho em frases como “olha só moreno do cabelo enroladinho/vê se olha com carinho pro nosso amor/eu sei que é complicado amar tão devagarinho/e eu também tenho tanto medo”. Em outras, Mallu mostra uma entrega não tão juvenil cantando coisas como “quero me bordarhttp://www.blogger.com/img/blank.gif em você/quero virar sua pele/quero fazer uma capa/quero tirar sua roupa”. E assim o disco segue com infinitas juras de amor da apaixonada Mallu.

A relação estreita dos dois fica ainda mais clara na sonoridade de “Pitanga”. Camelo assina a produção do disco e muitas das faixas têm arranjos que caberiam perfeitamente dentro de “Ventura” – a pérola do Los Hermanos -, ou em seu recente disco solo “Toque Dela“. Camelo talvez seja o pai do “indie-sambinha”, tão em voga nos dias de hoje e que também está presente na música de Mallu. Além do samba de menino branco da PUC, Camelo traz para o disco arranjos de metais melódicos e emotivos e uma sensibilidade para pequenos detalhes que fazem o disco uma delícia para se ouvir em fones de ouvido. Mas não é como se Camelo fizesse deste um disco do Los Hermanos com uma convidada especial. Outros detalhes de produção criam um clima pueril e lúdico, que ainda faz parte do universo de Mallu. Outros detalhes tornam o disco ainda mais dela, como as letras meio em inglês, meio em português, os banjos, escaletas e os assovios.

Sobre a parte musial que cabe à moça, tudo está nos conformes. As composições são delicadas e sensíveis. Os vários instrumentos tocados por Mallu se combinam em momentos bonitos. Se há alguma coisa a reclamar do disco é que algumas músicas são extremamente curtas. Existem boas ideias que poderiam ser exploradas com mais desenvoltura e criar resultados mais acachapantes. O disco tem 12 músicas e apenas 32 minutos de duração. Isso ainda denota um pouco de insegurança.

Mas pequenos deslizes à parte, “Pitanga” é muito gostoso. Estaremos diante da nossa versão tupiniquim do século XXI de Yoko Ono/John Lennon, June Carter/Johnny Cash, Elis Regina/Ronaldo Bôscoli e outros tantos casais que entraram para a história fazendo música juntos? Contanto que o relacionamento não se torne um caos à la Ike/Tina, o futuro parece promissor para a parceria.

Screamadelica demais!

2011-10-29T15:50:00.001-02:00

Em momento de distorção de conceitos, o zumbido nos ouvidos serve de lembrança: às vezes basta só um palco, só uma banda, só um disco e mais nada. Isso foi o suficiente, por exemplo, para que o Circo Voador vivesse uma noite sem igual com a estrondosa apresentação do Primal Scream, tocando o clássico disco “Screamadelica” na íntegra. Foi um daqueles raríssimos casos em que tudo contou a favor: o som (alto e claro), a luz (precisa e climática), as projeções (hipnóticas e envolventes) e, acima de tudo, a arrepiante interação entre banda e público. Não vai ser fácil esquecer o que aconteceu ali!

A história é mais do que conhecida. Para comemorar os 20 anos bem vividos de “Screamadelica”, Bobby Gillespie e companhia pegaram a estrada em 2010 para celebrar esse fato raro: o rejuvenescimento de um disco que soa, a cada dia, mais atual. Eu diria mais até do que um outro clássico do mesmo período, “Nevermind”, do Nirvana. E o desembarque dessa turnê no Rio teve um toque especial, um tapete vermelho estendido pelos próprios fãs, que se mobilizaram para trazer o grupo à cidade.

O grupo fez a sua parte no acordo: chegou e tocou. E como tocou!. “Movin´ on up” abriu o show, seguida pela ultragrooveada “Don´t fight, feel it”, como cartões de visita mais que perfeitos para o que viria pela frente, da incrível história que seria contada em cerca de 1h30m de show: rock anos 60 de mãos dadas com o rock anos 80, abençoado pelo gospel e magicamente alterado pela psicodelia, a eletrônica e, principalmente, o dub.

À frente de tudo, Gillespie, a mais cool das figuras, um frontman sem afetações, naturalmente carismático, fazendo a ponte entre banda e público, como um Mick Jagger minimalista. Em torno dele, o desfile de “Screamadelica”: da floydiana “Higher than the sun” ao balanço stoniano de “Loaded”, com backing vocals da plateia, culminando com a consagração apoteótica de “Come together.”

Quando a banda voltou para o bis, encerrado com a furiosa “Rocks”, o Primal Scream e o Circo já estavam, enfim, “juntos como um só”. Não por acaso, depois do show, ao saber no camarim como tinha sido a iniciativa para trazer a banda ao Rio, Bobby Gillespie se deixou contagiar mais um pouco e, impressionado, resolveu sair dali para ir ao encontro dos fãs, terminando a noite – e que noite! – autografando cartazes do show, ao lado dos banheiros. E é assim que tem que ser.

CSS solta as amarras!

2011-10-22T15:27:00.000-02:00

No exato momento em que pensava em escrever esta coluna, a banda paulistana com sotaque estrangeiro CSS fazia um desses shows-dentro-de-loja na incrível Rough Trade East, em Londres: o mais charmoso, elegante e importante endereço para comprar disco (entre outras coisas) no planeta. (Tá bom! A Other Music, em NYC, tem seu valor, mas…)

“La Liberación”, o terceiro álbum, que foi do streaming na íntegra no site da Bíblia musical “Spin” ao total vazamento em dois dias, foi lançado oficialmente no final de agosto no Reino Unido e nos EUA. Como não sei mais como funciona lançamento de disco no Brasil, então nem cito quando será por aqui.

A verdadeira “prova dos três” de sua explosiva carreira, o terceiro disco do CSS chegou levantando aquela dúvida básica: o álbum estaria mais próximo do frescor entusiasmante do primeiro disco ou do apedrejado segundo trabalho? A reação inicial está mista: mais para “CSS realmente não dá mais” do que “CSS recuperou a energia do primeiro disco”. Nem sei se é o caso de pensar assim, na verdade.

Ouvi o disco com carinho duas vezes e curti “La liberación”. É evoluído e inconsequente na medida certa, dentro do que se espera de uma banda que nem o CSS. Está cheio de piano no disco! Um disco do CSS, pasmem! A inspiração veio do camarada Diego dos Anjos, que é irmão da tecladista e guitarrista da banda, Ana Rezende, e criativo-nativo das 88 teclas. Mandaram bem com o álbum começando com uma mensagem fofa, “I Love You”, e terminando no quebra-quebra com “Fuck Everything”. Os dois lados de “La liberación” não param por aí. O disco consegue juntar duas músicas boas que soam, hmmm…, Pavement (“Ruby Eyes”) e Britney Spears (“City Girrl”), sem parecer um disparate.

Mas enfim.

Para não soar enviesado, vejam aí como foi a recepção do disco novo da banda brasileira pelo olhar estrangeiro, em especial o dos Lads, que fizeram a banda estourar em 2007:

- “New Musical Express” – Nota 5 (de 10). Lembra em 2006, quando o CSS veio, viu e dominou nossas festas? Bem, sorry galera, mas não estamos mais em 2006.

- “The Independent” – Nota 4 (de 5). Depois de uma relativa decepção com o disco de 2008, “Donkey”, este “La Liberación” entrega um serviço muito melhor na mistura do amadorismo débil da banda no estilo X-Ray Spex com sua estilosa personalidade.

- “Clash” – Nota 6 (de 10). Diz que o disco começa mal, mas vai “pegando” no entusiasmo, à medida que a banda vai injetando sua conhecida energia. Pode ser um disco irregular, mas não é o “Donkey”.

- “Observer/Guardian” – Nota 2 (de 5). O jornalzaço inglês fala que “La Liberación” é melhor em seus momentos calmos, tipo “Partners in Crime”, enquanto músicas revoltadinhas, tal como a que encerra o disco “Fuck Everything”, soam forçadas.

- “Q” – Nota 2 (de 10). Falta de imaginação.

Com o supramencionado show inaugural que rolou na Rough Trade, o CSS começou sua turnê de 2011 para valer. Serão 30 shows entre Europa e EUA. Como não sei mais como funciona lançamento de disco no Brasil, então nem cito quando será por aqui (de novo).

Um pouco do que rolou foi o seguinte.

A Pitada vai convidar o CSS para um showzinho de verão daqueles no Rio de Janeiro. O que vocês acham do show balançar o Circo Voador?!

Ladytron e suas criaturas.

2011-10-15T17:18:00.004-03:00

Quando o Ladytron surgiu, em 1998, a onda ‘revival’ do synth-pop e de seu lado escuro – a Cold Wave – ainda não era a moda vigente. Hoje, passados 13 anos, muitas são as bandas que projetam no grande muro que é a música os slides restaurados de imagens de 25, 30 anos atrás – dos radiofônicos arrumadinhos aos esquisitos do undergound. E entre eles há ainda o Ladytron.

O quarteto de Liverpool chega a seu quinto álbum de estúdio ainda com fôlego para correr atrás dessa nova leva de grupos e mostrar que pode deixá-los comendo poeira, retomando de certa forma o que começaram em seus dois primeiros discos (“604” e “Light & Magic”, de 2001 e 2002). Um retorno às origens e um distanciamento tanto da sonoridade mais roqueira de “Witching Hour”, de 2005, quanto do industrial “Velocifero”, de 2008.

“Gravity the Seducer” é um álbum que, apesar da aura gelada – presente em tudo que o Ladytron sempre fez –, é leve; não todo adocicado como pode parecer ouvindo sua primeira faixa, “White elephant”, algo como um híbrido de Carpenters e Abba, mas de uma forma geral é, sim, de fácil vício.

As coisas ficam realmente interessantes a partir da terceira música, “White gold”, que emula a citada Cold Wave e pistas de porões góticos, com vocais pra lá de frios, sintetizadores idem e beats lentos gerando uma canção densa, desesperada. Na sequência, dois momentos mais ‘UHUUUU!’, em “Gravity the Seducer”: “Ace of hz”, que está inclusive na pelada do joguinho Fifa 2011, e “Ritual”; a primeira bem pop e a segunda com cara de pós-rock à la Stereolab, instrumental como a ambient music de “Transparent day” e a Kraftwerkiana “Aces high”.

“Ambulances” é a prova de que o Ladytron não deve nada a seus pares mais jovens: é quase como o que se chama de witch house: meio etérea, meio fantasmagórica, mas com contornos próprios; e precede o hit em potencial “Melting ice”, híbrido entre chiclete e pedra de gelo, outra marca da banda nesses anos de carreira.

O adjetivo para “Gravity the Seducer” parece ser melancolia. Esse sentimento aliado a sua produção retrofuturista o torna um trabalho sombrio, feito para dias de inverno em que o céu pode até estar azul, mas com a temperatura próxima de zero. Sem dúvida será sucesso em baladas criativas dos inferninhos cariocas e paulistanos que tanto amamos.

Que venha 2013!

2011-10-08T17:25:00.004-03:00

O peso do Metallica, a versatilidade de Stevie Wonder e a emoção do Coldplay. Os sete dias do Rock in Rio foram repletos de grandes shows e de algumas apresentações que não fizeram jus ao preço do ingresso. Foram cerca de 160 atrações, com as animadíssimas e emocionadíssimas 700 mil pessoas marcando o festival também fora dos palcos.

As sensações:

O show do Metallica no terceiro dia do Rock in Rio foi tão bom que a própria banda não queria deixar o palco, mesmo após tocar por mais de duas horas. Com um repertório irretocável, que misturou pedradas como “Master of Puppets” e “Enter Sandman” com faixas mais lentas como “Fade to Black” e “Nothing Else Matters”, a banda deixou as 100 mil pessoas presentes na Cidade do Rock com aquele largo sorriso no rosto.

Stevie Wonder entrou na programação do Rock in Rio na última hora, quando a organização decidiu marcar uma sétima data para o festival. Sorte nossa: o show até começou morno, mas não demorou muito para esquentar. As baladas emocionantes como “You Are the Sunshine of My Life” e “My Cherie Amour” e os funks demolidores de “Superstition” e “I Wish” se sucederam. Mas o grande momento foi a versão de “Garota de Ipanema” com a multidão cantando junto.

O palco Sunset ficou pequeno para Erasmo Carlos e Arnaldo Antunes. A dupla reuniu um dos maiores públicos do local. E com justiça: o show foi memorável tanto com os dois juntos no palco como com cada um separadamente. Arnaldo interpretou músicas de seu mais recente disco, “Iê Iê Iê”, enquanto Erasmo misturou novidades como a ousada “Kamasutra” e clássicos como “Quero que Tudo Vá para o Inferno”. Juntos, eles fecharam com “Pode Vir Quente que Eu Estou Fervendo”. Dizê o quê?

Mesmo fazendo um show curto de 1h20 – o menor entre todos os headliners do palco Mundo -, o Coldplay foi emocionante. Agradou tanto tocando músicas do disco “Mylo Xyloto”, que só sai no final do mês, quanto tocando sucessos como “Yellow”, “Viva La Vida”, “Clocks” e “The Scientist”. Ainda acertou na homenagem a Amy Winehouse com “Rehab” e foi a atração que melhor aproveitou os efeitos de luz e som no festival. Coisa de quem sabe o que fazer bem e ao vivo.

Os coroas liderados pelo vovô Lemmy Kilmister – é surreal realizar que esse cara tem a idade do meu pai! -, mostraram que ainda têm peso e velocidade dignos de garotões no Rock in Rio. Foi uma verdadeira aula de rock, com lições como “Iron Fist”, “Going to Brazil” e, é claro, “Ace of Spades”. “Não nos esqueçam: somos o Motörhead e tocamos rock fucking roll!”, disse Lemmy ao final do show. Não há como não concordar com ele.

Se o Rock in Rio teve o seu dia de micareta, a responsável foi Ivete Sangalo. A cantora baiana fez o que sabe de melhor e fez o público sair do chão como nenhuma outra atração pop do festival. Ivete conseguiu até roubar a cena da principal atração daquela noite, Shakira. Quando as duas cantaram “País Tropical” juntas, a colombiana quase desapareceu ao lado da brasileira. Ivete foi a musa do festival!

O Skank não facilitou a vida de quem tocou depois deles no penúltimo dia do Rock in Rio. Foram tantos hits, e tocados com tanta paixão, que os artistas que se apresentaram logo em seguida não conseguiram levantar o público. Foram vários os momentos em que Samuel Rosa e companhia fizeram a Cidade do Rock toda cantar junto com eles: “É Uma Partida de Futebol”, “É Proibido Fumar”, “Três Lados”, “Vou Deixar”, “Vamos Fugir”… Estava difícil balançar só a perninha, fingindo não ser fã da banda.

Janelle Monáe provou que mesmo uma artista pouco conhecida pode conquistar a plateia do Rock in Rio. Basta ter um ótimo repertório, cantar muito bem, dançar melhor ainda e ter carisma de sobra. Até quem nunca tinha ouvido falar na cantora dançou músicas como “Cold War” e “Tightrope”. Na mesma noite, ela ainda fez uma participação especial no show de Stevie Wonder, cantando com ele “Superstition”, “As” e “Another Star”. Que beleza!

Apesar dos problemas no som – depois da quarta música, o volume caiu sensivelmente -, o System of a Down fez uma das apresentações mais pesadas do Rock in Rio. Sem firulas, sem trocas de roupa, sem cenário e sem espaço para solos: só rock. Foi uma performance digna de atração principal, até mesmo pela quantidade de fãs e pela duração do show, o maior entre os artistas que não fecharam o palco Mundo.

O show do Sepultura junto com os percussionistas do grupo Tambours du Bronx também ficou pequeno para o palco Sunset, tanto que roubou boa parte do público do Gloria, que tocava na mesma hora no palco Mundo. A apresentação fez o público bater cabeças ao som de clássicos como “Refuse/Resist” e “Territory” e uma pesada versão de “Firestarter”, do Prodigy. De brinde, uma participação especial de Mike Patton em “Roots Bloody Roots”. Um orgulho nacional!

E as decepções…

Difícil dizer o que foi mais errado no show de Ke$ha. A maguiagem estilo “Qual é a música?”, a alternância entre o excesso de efeitos na voz e o playback descarado, as coreografias e figurinos de péssimo gosto, a tentativa fracassada de parecer uma garota má: nada deu certo na apresentação da cantora americana. Pediu para sair.

O Snow Patrol ganhou o título de show mais apático do Rock in Rio 2011. Era para ser um show de rock, mas foi música para embalar o descanso do público. Nem a participação especial da brasileira Mariana Aydar em “Set the Fire to the Third Bar” conseguiu animar a plateia. Zzzzzz…

O vocalista Adam Levine pode até ter arrancado suspiros da maioria da plateia feminina, mas mesmo assim o show do Maroon 5 foi insosso e que ficou no vai-não-vai. Para piorar, o volume do som esteve muito baixo durante toda a apresentação, o que só aumentou a sonolência da plateia.

Entre todas as atrações do palco Mundo, o grupo brasileiro Gloria foi o que recebeu mais vaias. A banda exagerou na cara de mau para impressionar o público que estava lá por causa de Metallica, Motörhead e Slipknot, mas não conseguiu enganar ninguém. Ou conseguiu?

O Maná deu o azar de tocar logo depois do Skank, que fez um dos shows mais energéticos e cheios de hits do Rock in Rio. Em condições normais, o pop-sem-graça do grupo mexicano já não conseguiria empolgar a plateia. Tocando depois dos brasileiros, o resultado foi uma hora de tédio. Paes tem que pegar a Chave da Cidade de volta!

Com 2013 logo ali, o que importa mesmo é que o festival voltou para casa e com o elegante bordão lançado pela loba Christiane Torloni na cabeça: “hoje é dia de rock, bebê!”

No labirinto de Rômulo Fróes.

2011-09-10T23:58:00.004-03:00

Rômulo Fróes é um compositor que não se encaixa nas classificações de praxe. Admirado e citado pela nova geração de música alternativa “cabeça”, faz parte de um grupo de artistas que monta acampamento nas fronteiras desse país chamado música popular brasileira. Parceiro constante do escritor e artista plástico Nuno Ramos, Fróes trabalha com um núcleo pequeno de músicos. Juntos, constroem texturas sonoras apropriadas para as elípticas letras, onde coruscam rápidas citações de versos conhecidos da MPB, como cacos de vidro no meio da areia.

Mas é com a areia grossa das palavras cotidianas que Nuno, Fróes, Clima e Rodrigo Campos fazem suas edificações sonoras. Uma poesia embebida de estranhamento, que recusa o beletrismo e o romantismo barato. “Pedi pro santo, espanto e som/ ninguém ligou, é bom”. As frases musicais são sintéticas, moléculas musicais que formam melodias esquemáticas e pouco assobiáveis. Essa economia formal se encaixa com precisão na estrutura sonora, obrigando o ouvinte a prestar atenção no discurso aparentemente caótico, buscando sentidos.

A contribuição dos músicos não é pequena, no seu novo disco “Um Labirinto em Cada Pé”, lançado este ano. A guitarra tensa de Guilherme Held, o cavaquinho e a percussão de Rodrigo, o sax de Thiago França, o baixo flutuante de Marcelo Cabral e a bateria sem sotaque de Pedro Ito traduzem e completam o espírito de cada música. As intervenções suaves de Clara Becker atenuam a aspereza um tanto monocórdia da voz de Rômulo. Até a participação especial de Arnaldo Antunes na faixa “Rap em Latim” (de Nuno Ramos) soa natural, nesse universo de pequenas estranhezas.

Essa “nova música” está por aí, borbulhando nos trabalhos de uma turma de novas cantoras, de jovens compositores, concentrados no Rio e em Sampa (mas não só). Como traço comum, a negação ao formato música-pra-tocar-no-rádio. No velho rádio, bem entendido, porque criam a urgência de um novo rádio, de um novo ouvinte, de uma maneira diferente de consumir este secular produto chamado canção.

É como se a falência do produto disco, o tráfico incontrolável da música pela internet e a cansativa discussão sobre direito autoral soltasse as amarras criativas de uma geração. O que adianta fazer música “bonitinha”, enquadrada, se não vou ganhar nada com isso? Melhor então fazer a música que me der vontade, a rima que eu quiser, com o significado que minha turma vai entender.

“Eu sinto o aplauso e sinto a vaia/ ah, tudo de novo”, canta Dona Inah, à capela, na faixa de abertura. Contradição? Não. A música de Rômulo Fróes é a reciclagem de tudo, a contribuição milionária de todos os erros e acertos, a não-negação do passado. Não busca o radicalismo da atonalidade, não descamba para a escatologia, preserva o formato básico da canção, tem até parte-A-parte-B-e-refrão. Mas é diferente. Ou, como diz a faixa-título “Sabe quem sou/ sabe o que é/ um labirinto em cada pé/ em cada mão/ um contrapé/ cara de cão outra mulher/ clara não sou/ mas se quiser/ posso explicar ou não mané”. Entendeu?

O incansável Sargento.

2011-09-03T23:56:00.002-03:00

Nelson Sargento comemorou seu 87º aniversário no dia 25 de julho. Autor de sambas-enredos antológicos e sambas de meio de ano dos mais inspirados, Sargento é figura de proa da nossa música e um arquivo vivo da história da Mangueira – tanto da escola e quanto do morro.

Nelson Sargento é do tempo da zagaia – quando se amarrava cachorro com lingüiça -, mas ele está na moda e mais atual do que nunca. Fonte permanente de consultas para a elaboração de reportagens, livros ou filmes, Sargento é a memória viva do samba carioca. Disponível a quantos o procuram, ele é o rei da simpatia. Esbanja otimismo e felicidade, nunca nega um sorriso a quem dele se aproxima – mesmo quando andava desfalcado do teclado, abria aquele sorriso, de escassos dentes, de quem está de bem com a vida.

Nelson Sargento nasceu na Praça XV, no centro do Rio de Janeiro, no dia 25 de julho de 1924, e ganhou o apelido quando serviu o Exército, nos anos 40. Aos 8 anos de idade já desfilava tocando tamborim na Escola de Samba Azul e Branco do morro do Salgueiro, onde morava. Quando sua mãe, viúva, juntou-se ao marinheiro mercante Alfredo Lourenço, o Alfredo Português, ele foi morar no aglomerado de Santo Antonio, no morro da Mangueira. Tinha 12 anos de idade. Cresceu vendo os ensaios do samba e ouvindo as composições de Cartola e Nelson Cavaquinho, que lhe ensinaram a tocar o violão. Logo virou parceiro do padrasto, que era letrista respeitado no morro e passou a escrever suas poesias para o rapaz musicar.

Em 1947, quando Nelson estava com 23 anos, Alfredo passou a integrar a ala de compositores da Mangueira e o enteado foi junto. Da parceria com Alfredo saíram “Vale do São Francisco” (um samba-enredo de 1948), “Samba do Operário” (com participação de Cartola) e “Freira mais querida” (isso mesmo, uma homenagem a alguma freira, com a parceria de Nelson Cavaquinho). A dupla venceria o concurso de samba-enredo da escola em 1949 com “Apologia ao Mestre” e em 1950 com “Plano Salte – Saúde, Lavoura, Transporte e Educação”, garantindo o título de bicampeã para a verde e rosa no Carnaval. A escola foi vice-campeã em 1955 com “Cântico à natureza”, uma parceria da dupla com Jamelão e que é considerado até hoje o melhor samba-enredo da escola em todos os tempos.

Os anos 60 foram encontrar Sargento tocando no grupo que animava o lendário Zicartola, o restaurante de Dona Zica e Cartola, que virou ponto de encontro de sambistas e intelectuais, na Rua da Carioca, 53, Centro do Rio. A carreira profissional de Nelson Sargento deslanchou mesmo quando participou do show Rosas de Ouro, em 1965, com a participação de Elton Medeiros, Paulinho da Viola, Jair do Cavaquinho, Anescarzinho do Salgueiro, Clementina de Jesus e Aracy Cortes. Integrou, depois, o grupo Voz do Morro – do qual participavam Paulinho da Viola, Zé Kéti, Elton Medeiros, Jair do Cavaquinho, José da Cruz e Anescarzinho do Salgueiro. Fez parte ainda de Os Cinco Crioulos, composto por alguns sambistas do Rosa de Ouro e do Voz do Morro, aos quais se juntou o compositor Mauro Duarte. Em 1979, o selo Eldorado gravou o primeiro disco solo de Sargento “Sonho de um sambista”. Seguiram-se mais oito discos de carreira e várias coletâneas.

E ainda tem o seu lado de pintor e escritor. Ufa! Continência ao incansável Sargento!

Preciso de você agora.

2011-08-27T23:53:00.000-03:00

Cut Copy - Need You Now

Cut Copy | Myspace Music Videos

A repercussão de “In Ghost Colours” foi grande, a expectativa futura também, e o Cut Copy foi se trancar num depósito vazio em Melbourne para parir mais uma pérola do electro-pop. É “Zonoscope”, álbum com deliciosas canções que saiu nos primeiros dias de fevereiro e mostra jovens músicos no auge de sua força criativa, com maturidade crescente e que traz alguns paradoxos de artistas ainda ligados à aura underground, mas que basta um tropeço para se tornarem pop.

“Zonoscope” não reinventa a roda: é o mesmo Cut Copy do álbum anterior investindo em novas variações – mais ousadas, diga-se de passagem -, da mistura entre eletrônica e rock alternativo orgânico. As cinco primeiras faixas do álbum mostram bem esta ênfase e trazem uma boa ponderação sobre os rumos do grupo: eles estão bem cientes de onde querem chegar e caminham para o estrelato indie pop com cautela e visão.

E enquanto eles abrem os trabalhos com o minimalismo techno-pop da sublime “Need You Now” (mais uma aposta das melhores faixas de 2011), linhas de baixo surgem adocicadas logo depois, pipocando refrões grudentos e “oooh, yeahs” inesquecíveis nas brincadeiras pop de “Where I’m Going” e “Take me Over”, faixas que parecem feitas sob medida para trilhas sonoras publicitárias e cinematográficas.
Ouvir o primeiro álbum do grupo “Bright Like Neon Love” de 2004 mostra como é grande a evolução do simplório dance-pop tubular, influenciado pela obviedade Daft Punk, para um grupo que achou sua identidade e que segue ousando suas características com passos bem medidos e uma grande dose de acerto. Tem como não se apaixonar pelo riff sintético de “Alisa”? E dá para não se entregar ao hedonismo dance de “Need You Now”? Ou será que o “please, baby, please” cheio de chimbaus de “Pharaos & Pyramids” não lhe causa nenhum efeito? É como eles mesmos dizem na faixa cinco: pisque e você perderá uma revolução.

“Cálice” de Criolo.

2011-08-20T23:48:00.003-03:00

Confesso: não sou fã de rap. Gosto não se discute, pois vem de influências de tempos diversos. Gosto demais de música pra gostar “de graça” de rap. Sou tão alheio ao estilo que descobri ao escrever a coluna que rap originalmente nasceu como poesia ritmada (Rhythm And Poetry). Nada contra rimas e ritmos, mas na origem do gênero faltavam alguns elementos básicos para minha fruição, como melodia ou harmonia. Sou totalmente leigo em poesia declamada, mas respeito quem a faz bem e curte. Na Rússia é arte nacional, cultuada por milhões de pessoas, em escolas, botecos e saraus.

Acompanhei o re-surgimento do movimento hip hop quando morei em São Paulo de 1998 a 2004. Dali surgiram alguns bons poetas e os Racionais foram um marco cujo impacto é definitivo. Gente como Thaide, Rappin’ Hood, Gog ou MV Bill são mentes inquietas que ampliam os caminhos do gênero. Alguns “brancos espertos” surfaram na onda, como Gabriel o Pensador ou Fausto Fawcett, deixando aí sua marca. Gostei muito do filme Antônia (2007), de Tata Amaral, que levou Negra Li ao estrelato e mostra o lado feminino do rap. O que sempre me incomodou foi a submissão acrítica ao modelo americano de rap. A imitação dos trejeitos, dos scratches, dos passos de break, das roupas, colares e óculos escuros.

Há alguns anos ouvi falar de Criolo Doido. Ativista do rap, criou a bem sucedida Rinha dos MC’s, em São Paulo, que virou circuito em todo o estado. Lançou um disco em 2006 chamado “Ainda Há Tempo” e entortou a cabeça do pessoal com “Nó na Orelha” lançado no ano passado. Na coluna “Memórias da avó” aqui na RIOetc, destaquei uma das músicas que ele gravou com Gui Amabis e que realmente ficou surpreendente. Em “Nó na Orelha”, gostei de umas faixas, menos de outras. Espiei alguns vídeos na rede e a cara de Criolo foi ficando familiar. Até que topei com este vídeo, gravado em condições precárias, num bar, sem playback, em que o poeta faz uma homenagem à canção “Cálice”, de Gilberto Gil e Chico Buarque.

Na verdade, ele canta outra letra, sobre a mesma melodia, sem respeitar muito a métrica. Me arrepiei do mesmo jeito que havia acontecido quando ouvi a canção original pela primeira vez. A voz embargada de Criolo, cantando a cappella, transmite tudo. E o fato de citar Milton, e não Gil, se deve ao fato da interpretação do mineiro (junto com o carioca) ter se tornado a referência auditiva para esta grande, imensa canção. Criolo a tornou ainda maior.

Metronomy na Riviera Inglesa.

2011-08-13T20:23:00.003-03:00

Curiosidade: a Riviera Inglesa é composta por três cidadezinhas na baía de Torbay, na Cornualha. Brixham, Torquay e Paington são o mais próximo que nossos amigos da Terra da Rainha podem chegar de um clima tropical (but not quite) sem ir até o continente. Pelas 22 milhas de encosta, as inglesas podem desfilar seus maiôs listrados em branco e azul e botar aquelas coxas branquelas para tomar um solzinho (but not quite), molhando os pés nas águas quentes do Canal da Mancha. Alegria ensolarada com aquele bronze kani-kama.

Como esse verão que arde mas não queima, essa é a tônica do terceiro LP da carreira do Metronomy. Melodia amorosa, harmonia frustrada. Harmonia apaixonada, ritmo neurótico. Ritmo tranquilo, melodia frenética. Instrumentação ensolarada, letra ácida. O som produzido pelo quarteto nunca chega a ser abrasivo, mas corroe como maresia. A banda funciona perfeitamente pelas 11 faixas do disco com uma engrenagem muito bem azeitada que, com muito poucos elementos, consegue produzir momentos de beleza sutil, paixão pueril, decepção, otimismo e até momentos de sacolejo de quadril. Curto muito isso.

O Metronomy já foi muito mais um esforço de propriedade do band-leader Joseph Mount, mas em “The English Riviera” a banda soa muito mais concisa e há espaço para todos os seus integrantes brilharem nos momentos certos. Seja a (belíssima) bateirista Anna Prior com um delicado trabalho vocal na faixa “Everything Goes My Way”, onde a moça canta por cima dos backing vocals cedidos por ela mesma, ou o baixo pulsante de Gbenga Adelekan, que segura pelos colarinhos faixas como “The Bay” e “Corinne”. Backing Vocals brincalhões, assinaturas rítmicas diferenciadas, sintetizadores, guitarra sequinha e pontual. Tudo preciso, intenso e nada forçado. Composições inteligentes e minimalistas.

I’m a sucker for traços de oitentismo que estão presentes no disco, mas “The English Riviera” está longe de ser saudosista. Há quem reconheça notas de bandas como The Bolshoi, Pet Shop Boys ou Spandau Ballet, mas quem as ouve falando mais alto que a sonoridade da banda está muito preocupado com a genealogia e esquecendo da musicalidade. O disco reflete um Metronomy que delimita muito bem seu ramo de atuação (pop avant-garde com sensibilidade melódica e melancólica) e que evoluiu de forma espantosa desde o último LP. Tudo bem que a Riviera Inglesa não é a formosa Baía de Guanabara. Joseph Mount e sua trupe estão tranquilos em relação a isso (but not quite) e, se você quiser, eles te levam até lá. Cheers!

The Look - Metronomy by WeirdBrowser

Respingos tropicais do Copacabana Club.

2011-08-06T20:31:00.002-03:00

Uma banda pode se destacar de duas formas: re-inventa a roda ou coloca várias delas juntas e sai por aí se divertindo muito. O Copacabana Club optou pelo segundo caminho com uma junção de influências modernas que não se cristalizam em inovação sonora, mas se traduzem em muita autenticidade e diversão. O Copacabana Club é claramente uma das bandas nacionais com a identidade mais bem formada na cabeça do público. Um delicioso indie-rock dançante tropical!

Se existe algo que pode ser dito sobre o Copacabana Club é que estes curitibanos sabem direitinho o valor da produção. Desde seu surgimento, quando a banda tinha apenas umas poucas dezenas de shows no currículo, os Copas maximizaram sua exposição com o muito bem produzido clipe de “Just Do It” e uma imagem impecável. A estrada se tornou a mãe da banda e os shows em palcos cada vez maiores trouxeram a necessidade de construir uma sonoridade mais cheia e bem-acabada.

Foi aí que o produtor Dudu Marote entrou em cena. O disco levou mais de 1 ano e meio sendo gravado e afinado em seus mínimos detalhes. A experiência de Dudu com a música pop e também com a eletrônica caíram como uma luva para a banda. Guitarras, baixo, teclados, bateria e vocais conspiram de forma harmônica para criar o clima ensolarado e bem-humorado de “Tropical Splash”. O disco soa como deveria: grandioso, energético, sensual e divertido.

As composições novas também são um grande destaque do disco. A faixa “Pas Toujours” (com a proeminência da voz do guitarrista Alex) é uma das mais bacanas de “Tropical Splash”, com seus sintetizadores ligeiramente desafinados, baixo a la New Order e guitarrinhas emulando gaivotas. Elegante. A faixa “Tropical Splash”, que dá nome ao disco, também é bem bacana. Segundo a vocalista Cacá V, a música surgiu durante aulas de natação e, cá pra nós, tem cheiro de hit e já vou soltar na pista da festinha de um camarada amanhã.

E talvez um dos pontos que mais avançaram das primeiras demos dos Copas para este lançamento tenha sido justamente a presença da voz de Cacá. Enquanto os primeiros registros da banda carregavam sua voz com uma quantidade meio exagerada de efeitos, em “Tropical Splash” sua presença é muito mais segura e natural. Desta vez, conseguimos ouvir as pequenas nuances de timbre em sua voz. Momentos de rouquidão, arranhados, pequenas desafinadas, dinâmicas diferenciadas. Está tudo lá e isso é muito bom, dá ainda mais personalidade ao som do Copas.

“Tropical Splash” é o retrato de uma banda que consegue levar muito a sério seu trabalho e ao mesmo tempo não levá-lo nada a sério. O Copacabana Club não quer inventar nenhuma roda, mas encara com audácia o objetivo de fazer todo mundo dançar. Bela estreia!

Tropical Splash by copacabanaclub

As lindas letras ordinárias de Amy.

2011-07-30T18:49:00.000-03:00

A “crônica pop de uma morte anunciada” da cantora britânica Amy Winehouse vai nos privar de seguir sua carreira turbulenta errática, mas sempre interessante – a não ser que o tal “próximo disco” saia, ainda que póstumo. A curta carreira de Amy pode ser vista de várias maneiras: a da voz de contralto privilegiada, a de seus excessos enquanto arma para entender a bagunça de sua vida público-privada, a de fazer despontar uma quantidade infindável de cantoras mulheres (em redundância proposital) nas paradas britânicas, a do resgate da modernidade da Soul Music para um público jovem e guitarreiro.

Talvez seja mais bonito ver Amy Winehouse dentro do contexto geracional sincero e simples no qual ela esteve inserida e, por alguns motivos, foi luminar. Ela era capaz de fazer uma linda letra de música de uma cotidiana e mundana ida a um pubzinho. A amiga “pop/reggae” Lily Allen, o rapper The Streets e o grupo de rock Arctic Monkeys são excelentes parceiros de Amy nesse estilo. Enquanto a primeira fez a fama com uma música sobre um “pé-na-bunda” amoroso numa sinceridade simples de doer, o The Streets chegava perto do “rap perfeito” narrando a ida a um pub para ver um jogo de futebol e o Arctic Monkeys fazia uma das mais incríveis canções de rock dos últimos tempos ou descrevendo como era tratado pelos seguranças da porta de um clube, na hora em que chegava sua vez na fila para entrar, Amy estourou mundialmente com a inesgotável “Rehab” que narrava suas conversinhas com o pai sobre se devia ou não ir a uma clínica de reabilitação para tratar de seu vício em drogas e bebidas. O pai dizia que ela estava bem, ela preferia ficar em casa com o namorado e, na conversa com o doutor, dizia que não tinha idéia de por que precisava de ajuda médica. Isso sempre disse muito sobre Amy no artístico e no pessoal, né não?

Uma das canções mais belas, sua em particular ou da música inglesa em geral, é “You Know I’m No Good”, cujo título já diz muito sobre o recado que Amy sempre quis passar para quem quisesse ouvi-la. Ela nos contava sobre as brigas com o namorado, de traí-lo com o ex e das conversas no bar regada a Stellas. É o cotidiano boçal de uma “inglesa comum” nas paradas de sucessos do mundo todo! Repare que com Amy Winehouse, Arctic Monkeys, The Streets, Lily Allen, e um monte de outros ingleses dessa geração, não há poesia na letra ou reflexões elocubrativas sobre o amor e a vida. A não ser que isso tudo seja pintado com as cores de um dia-a-dia ordinário.

No caso de Amy, passamos a conhecê-la tanto por suas canções que sua morte nem chega a ser uma baita surpresa. Estava escrito em suas músicas.

P.S.: Na programação dos shows diários que o iTunes Festival faz no Roundhouse em Londres, a afilhada de Amy Winehouse, a cantora Dionne Bromfield, de 15 anos, fez uma apresentação quarta-feira passada. Dionne estava abrindo para a sensação pop adolescente inglesa, The Wanted. Amy Winehouse – que morava pertinho dali, em Camden – apareceu de supetão no show de Dionne, subiu ao palco, não cantou exatamente uma música, mas deu aquela dançadinha e incentivou o público a sair de lá e comprar o disco da pupila. Foi a última aparição de Amy em um palco.

Memórias da avó.

2011-07-09T08:29:00.002-03:00

“Memórias luso africanas” não merece ficar a ver navios. Belo, dramático e épico, o primeiro disco solo (e independente) de Gui Amabis chega ao mundo este mês como uma relíquia de tons cinematográficos. Tendo como ponto de partida as histórias que ouvia da avó, já falecida, o produtor paulista embarcou numa viagem no tempo e criou uma odisséia musical, na qual relembra sua trajetória familiar.

Se o disco – que começou a ser gravado em 2007 e só foi finalizado há poucos meses – parece a trilha de um filme antigo, remetendo a trabalhos do inglês Cinematic Orchestra, créditos para Amabis. Ele assinou a música de “O senhor das nuvens” e “Quincas Berro D’Água”, além de produções para a TV como “Cidade dos homens”. Ao lado de outro parceiro, o baixista e também produtor Antonio Pinto (do Almaz), ele chegou a Hollywood, trabalhando na produção musical de filmes como “Colateral” e “Senhor das armas”. Outra experiência anterior, o grupo Sonantes, ajudou Amabis na seleção do elenco que participa do disco, que tem convidados como Dengue (baixo), Curumim (bateria) e Régis Damasceno (guitarra).

O Sonantes, que lançou um disco em 2008 pela gravadora americana Six Degrees (relançado agora pelo selo Oi Música), era uma produção coletiva, dividida entre Dengue, Pupilo, Lúcio Maia, Catatau e a própria Céu, além de Rica Amabis, do Instituto, irmão de Gui. Céu, que empresta a voz em parte do álbum, é também esposa de Amabis e, juntos, protagonizam o momento mais bonito e delicado de “Memórias Luso/Africanas”, com o quase fado “Doce Demora”, uma linda homenagem à filha do casal – Rosa Morena, de 3 anos.

Tulipa Ruiz também participa, com as praieiras (no ritmo e na letra) “Sal e Amor” e “Ao Mar”; Lucas Santtana canta a bela “O Deus Que Devasta mas Também Cura”, mas a contribuição mais surpreendente ficou por conta do rapper Criolo, que solta a voz na boa levada de “Orquídea Ruiva” e em “Para Mulatu”, uma das memórias africanas do álbum. A equipe nas dez canções é bastante requisitada e eficiente. Curumin, Siba, Rodrigo Campos, Dengue, Regis Damasceno, Thiago França, entre outros, completam o time em grande estilo.

Com um conceito bem amarrado, belas melodias, forte pesquisa de ritmos e muito carinho em todo o processo, Gui Amabis estreia como um camisa 10. Apesar da notável criação, Amabis, afogado em outros trabalhos, não pretende comandar sua nau musical por muito tempo e vai continuar nos bastidores. Corre lá e baixe gratuitamente essa pérola em guiamabis.com!

Para Mulatu (Gui Amabis feat Criolo) by criolo_oficial

As aventuras da Blitz no Viradão!

2011-05-21T08:25:00.000-03:00

Artistas com o desejo de atingir o grande público e uma lona azul e branca. Assim nasceu o Circo Voador, na Praia do Arpoador, em Ipanema. O verão de 1982 mudou o cenário artístico-cultural da cidade e alavancou várias bandas, muitas até hoje consagradas em todo o país. O Circo Voador mudou de endereço, se instalou na Lapa, defronte aos Arcos, e continua sua vocação de um espaço para a criação e apresentação das mais variadas expressões de arte e cultura populares cariocas e brasileiras. E a 3ª edição do Viradão Carioca, que rola de até amanhã, homenageia o famoso palco e o seu público com apresentações de artistas que fizeram sucesso sob a lona na década de 80: Biquíni Cavadão, Inimigos do Rei, Léo Jaime, Arnaldo Antunes e, last but not least, a queridíssima Blitz.

Em 1982, quem arriscou comprar um compacto chamado “Você não soube me amar” caiu na gargalhada ou pediu o dinheiro de volta. O lado B trazia uma música chamada “Nada”, em que um jovem e debochado carioca Evandro Mesquita repetia incessantemente a palavra “nada”. Nada mais. Felizmente, para os garotos da banda, o primeiro lado virou um sucesso estrondoso e, quando chegou às lojas acompanhado das outras faixas do disco “As Aventuras da Blitz”, trouxe fama nacional ao grupo carioca.

Mas o senso de humor da estréia não deve ser ignorado. É um dos ingredientes-chave na música da Blitz, um filtro pelo qual todas as influências da banda passavam. A primeira formação era composta por Evandro nos vocais, Lobão na bateria, Ricardo Barreto nas cordas, Fernanda Abreu nos backing vocals, entre outros no septeto. Apesar das letras cômicas, o grupo era antenadíssimo no que se passava no cenário internacional. Evandro, Lobão e companhia mesclavam reggae com dance rock, funk, rockabilly – boa parte dos estilos que formaram o punk inglês alguns anos antes e ainda pairavam pelo zeitgeist do rock. A musicalidade dos arranjos, assinados por todos, é notável. Um power trio bem amarrado pela bateria de Lobão segurava a banda. As texturas plásticas que estavam em voga na época eram compensadas pelo acompanhamento de Fernanda Abreu e Márcia Bulcão, que entoavam “tchubirubas” e “ua ua uas” bem harmonizados onde sobravam espaços. Ecos da Jovem Guarda se fazem ouvir na atitude de galã que Evandro assumia. E quando a Blitz embarcava no rock and roll dos anos 50, aquele senso de humor presente desde o primeiro single evoca Raulzito.

Com um rock leve, letras bem-humoradas e performance teatral no palco, a Blitz tocou no Rock in Rio de 1985, se apresentou por todo o Brasil e no exterior e se consolidou como fenômeno de massa. Lançaram produtos como revistas em quadrinhos e álbum de figurinha, em parte devido a sua grande popularidade entre as crianças. Depois do terceiro LP, a banda se desfez em 1986, voltando a se reunir ocasionalmente para shows ou eventos.

Fernanda Abreu seguiu uma bem-sucedida carreira solo e Evandro Mesquita se firmou como ator. Em 1995 a EMI lançou “Blitz ao Vivo” e dois anos depois alguns ex-integrantes se reuniram e gravaram o CD “Línguas”, mas nada comparado à inspiração que a banda tinha com o gel New Wave. E vamos nós ao Viradão Carioca! Geme geme!

Red Hot + Rio 2 = Tropicália!

2011-05-14T08:23:00.004-03:00

A Red Hot Organization tem mais de duas décadas de empenho na luta contra a difusão do vírus HIV e na conscientização para a prevenção, principalmente junto ao público jovem. Um dos caminhos pelos quais a organização buscou criar o tal “awareness” sobre o assunto foi estreitando seu relacionamento com o mundo da música. Desde 1990, a entidade organiza compilações musicais de extremo bom gosto, e que em alguns casos viraram clássicos cult, como é o caso da primeira da série “Red Hot + Blue” lançada no mesmo ano de 1990.

Em 2011, a luta continua sempre relevante e mais uma compilação está prestes a ser lançada. O álbum “Red Hot + Rio 2” será lançado em 26 de junho e trará 34 gravações originais. Essa não é a primeira vez que a Red Hot Organization homenageia o Brasil. Em 1996, foi lançada a primeira “Red Hot + Rio”, que trazia músicas de Chico Science, David Byrne, Marisa Monte, entre outros, homenageando a nossa bossa nova. Nessa edição, gringos e brasileiros celebram a Tropicália e todas as possibilidades e rupturas que o movimento representou em seu surgimento na década de 60.

O tributo é bem completo e cheio de nomes e misturas interessantes. Imagine só o Of Montreal junto com Mutantes fazendo uma versão de “Batmacumba”, Javelin e Tom Zé atualizando “Ogodô, Ano 2000″ e ainda Marisa Monte, Devendra Banhart e Rodrigo Amarante com “Nú com minha música” para os ouvidos do século XXI. Diversos artistas independentes participam da compilação, tais como Beck, Beirut, Cults, Curumim, Phenomenal Handclap Band e Emicida e fazem dessa uma das mais contundentes homenagens ao que muitos consideram o movimento cultural mais representativo da nossa Ilha de Vera Cruz no século passado.

Aproveite para baixar a linda versão que a querida banda Beirut fez para “O Leãozinho” de Caetano. Bacana!

O toque de Marcelo Camelo.

2011-05-07T08:17:00.003-03:00

Artisticamente, a mudança é mais que humana: é percurso. No caso de Marcelo Camelo, desde os tempos de Los Hermanos, o caminho parece ser não se referenciar pelos paradigmas, mas relativizá-los constantemente. A ruptura e a busca da reinvenção não são mera iconoclastia, mas sim um grande elogio à liberdade criativa.

Afirmar que Camelo fez um álbum de amor talvez não soe como uma novidade, mas “Toque Dela” é, certamente, seu conjunto de canções que soa mais pessoal: o amor como declaração direta e carta aberta. Gravado ao longo de 2010 no estúdio El Rocha, entre caminhadas no bairro de Pinheiros, nos alpes paulistanos, onde fica o estúdio e onde ele mora há dois anos, “Toque Dela” é um álbum tranquilo, como se produzido por ele próprio e gravado entre amigos e sem pressa, o que realmente foi. É um álbum bem pessoal, com algumas faixas gravadas pelo próprio Camelo tocando as bases de baixo, bateria, percussão, violão e guitarra. Em todas as outras, é acompanhado pelo sexteto Hurtmold, que já tocava em metade das faixas de seu primeiro álbum. Curiosamente, ao mesmo tempo que é um álbum mais “de banda” do que o anterior, é cheio de tons acústicos, costurado com assobios, ukuleles, metalofones, naipes de sopros, cores, pores-do-sol, visões do mar, solos e ruídos poéticos.

Três das dez músicas do álbum, por sinal, citam São Paulo. Quatro falam do sol. “Morena” e “Pretinha” também são referências comuns e a palavra amor aparece sete vezes nas letras. Três anos atrás, quando duetava em seu primeiro álbum com Mallu Magalhães, com quem começava a namorar então, Camelo cantava a possibilidade de a eternidade ser cruel. Hoje, em ‘‘Vermelho’’, faixa em que Mallu participa, ele se assume sem medo, filho da eternidade. Tempo de recomeçar, declaração direta, como em “Acostumar”, “Pra Te Acalmar” e “Tudo Que Você Quiser”. A solidão é doce, mas é triste viver só dela.

Um grande álbum, como toda a arte, capta palavras, sons, idéias e fotografa o momento. Em sua estética do espontâneo, desenhando um universo poético simples, mas não óbvio, Marcelo Camelo finalizou um álbum de amor tocante como afirmação artística. Talvez ouvir de longe o antigo companheiro de banda Rodrigo Amarante e de perto a namorada, Mallu Magalhães, tenha lhe feito bem. Não apenas um álbum sobre o toque dela, mas um álbum com um toque dela. E lá vamos nós ao Circo logo mais para participar dessa estória.

Marcelo Camelo - Ô ô by gomesemaia

Seu Dorival Caymmi é um carioca da gema.

2011-04-30T08:09:00.007-03:00

http://www.blogger.com/img/blank.gif
Ele é baiano (da clara) porque é um carioca da gema e da alma. Seu Dorival Caymmi chegou ao Rio de Janeiro na flor da juventude, nos seus 20 anos, e no Rio viveu por mais de setenta. O pai dos também músicos (cantores e compositores que não negam a raça) Nana, Dori e Danilo, Dorival Caymmi nasceu em Salvador (BA), em 1914, no dia 30 de um mês de abril.

De lá trouxe o mar, o eterno mar baiano que tanto banhou sua criação, os joões valentões, as rosinhas de chica, josés, pedros, marinas, mães menininhas, doras, zecas e a parentalha toda. Depois de pegar no Nordeste o Ita que seguia do Norte, para no Rio de Janeiro morar. Tranqüilidade seria uma palavra perfeita para descrever esse grande contador da vida dos pescadores, muitas vezes trágicas, mas contada por ele de forma suave, pura, simples. Ele se instalou entre as ondas do rádio e as amizades tão importantes para a sua vida e obra, como Ary Barroso, Antonio Maria, Mário Lago, Custódio Mesquita, Braguinha, Millôr Fernandes, Lúcio Rangel e tantos outros. Baiano de boa prosa, era bom de fazer amigos; e de fazer canções também.

A primeira obra nasceu quando ele tinha 16 anos, e chamava-se “No sertão”. Caymmi compôs pouco, honrando a inexplicável fama de preguiçoso, mas tudo o que fez está muito acima da média. Foi capaz de nos mostrar toda a doçura de viver/morrer no mar, doçura de viver, doçura. E ele seguiu tranqüilo, com pouco mais de 100 canções em 94 anos de vida, chegando a levar anos na criação de uma, burilando um pouco num dia, descansando no outro, retornando depois de anos – é um bom tempo, dizia ele, é um bom tempo. É impressionante a garantia de qualidade que jorra de seu repertório. Cantou e contou a paisagem baiana como ninguém em seu jogo diferente de ritmos. Projetou-se com o sucesso “O que é que a baiana tem?”, fazendo de Carmen Miranda uma verdadeira baiana. Seu nome está definitivamente atrelado a canções como “Suíte dos pescadores”, “Rainha do mar”, “Dora”, “Eu vou pra Maracangalha”, “Menininha do Gantois”, “Marina”, “Samba da minha terra”, e por aí vai.

Caymmi foi o respeito pela vida, foi seu ritmo. A obra de Caymmi, que morreu em 2008 e era carioca por adoção e devoção, está para sempre em nossa lembrança. Bem como o seu lindo sorriso.

Às vezes eu mordo, às vezes eu lambo.

2011-04-23T23:31:00.002-03:00

O iluminado produtor e DJ carioca João Brasil – nosso rei do mashups – compôs um grudento sucesso para este verão e botou a musa Lovefoxxx do Cansei de Ser Sexy para cantar junto. E quando digo “verão” é para o Hemisfério Norte, pois o hit foi lançado nessa semana na Inglaterra: a deliciosa “L.O.V.E. Banana”, que você ouve aí embaixo. É “uma fruta sexy sexy que vem da terra dos pássaros tropicais”.

João Brasil fez a música na terra da Rainha, gravou uma voz guia e mandou como sugestão de colaboração para a vocalista do grupo paulistano dar aquela temperada. Ela caprichou e devolveu o arquivo com a voz dela na música. O resultado é um “electro-lambada-pop-brega-cool” que o 2ManyDJs vai morrer para remixar quando ouvir.

Com uma letra ótima que faz ode à banana, essa fruta tão… brasileira. O EP sai com seis remixes gringos pelo selo Man Recordings. A faixa bônus do disco tem, para completar a bagunça, Gaby Amarantos, a rainha do tecnomelody paraense, cantando “Águas de Março”. Vai vendo!

Em uma publicação no site da Man Recordings, alguns DJs ouviram “L.O.V.E. Banana” e disseram o que acharam da música:

- Armand Van Helden: ““Smells like summer hit”
- Crookers: “My new lambada, lovely”

Toquei a música numa festinha no sábado passado, no meio de umas pitadinhas… A pista estranhou no começo e depois soltou as cadeiras facinho, facinho… rsrsrs

L.O.V.E. Banana feat. Lovefoxxx (Hoshina Anniversary Remix) by hoshina

Fora de controle!

2011-04-16T23:28:00.000-03:00

Se você mora no Brasil, tem qualquer relação com música e não foi abduzido nos últimos dias, é bem capaz que saiba que a banda irlandesa U2 realizou no final de semana passado em São Paulo dois de seus megashows que fazem parte da absurda turnê 360º: garras gigantes, palco que gira, telão descomunal, som cristalino e músicas “clássicas” que estavam fora das apresentações da banda há anos.

Você pode não gostar do messianismo do Bono, ou do gigantismo que a banda atingiu, e curtir apenas o U2 “do começo”, mas o desempenho no palco, ainda que a banda tenha mais de 30 anos de estrada, é espetacular. Sim, o show e o U2 também têm suas músicas chatinhas e o impacto visual Blade Runner/Disney vai do sublime ao bobo, mas, para uma banda que tem inúmeras músicas poderosas e toda a sua estrada sólida e rica, Bono, Edge, Adam e Larry parecem meninos com fome de rock ao tocar. Pode-se dizer tudo, mas nunca que um show do U2 é um show “mais ou menos”.

No caso do de domingo, o show foi especialíssimo. Foi justamente nesse show de domingo, nos chuvosos alpes paulistanos, que a banda quebrou o recorde de bilheteria da maior turnê na história do rock, honra que pertencia aos magnânimos vovôs-garotos do Rolling Stones. Até o fim da turnê no Canadá, vai ser difícil para qualquer outra banda, até mesmo para o próprio U2, quebrar esse recorde novamente.

Especialíssimo também porque a banda tocou duas músicas raríssimas e que, como o próprio Bono falou antes de executarem a primeira, “só tocamos essa em momentos especialíssimos”, por isso estou usando tanto a palavra. A primeira foi o espetacular primeiro single do U2 – “Out of Control” – que apareceu em um EP de 1979, um ano antes da banda lançar o seu marcante álbum de estréia “Boy”. O U2 não tocava “Out of Control” desde 2006, segundo eu li no Twitter de fãs do U2. A segunda música rara que os privilegiados fãs viram ao vivo foi uma versão na íntegra de “Zooropa”, música que abre o álbum homônimo de 1993 e que só foi tocada apenas em um show (!!!) da turnê do próprio álbum. Épico!

Se você não pôde estar lá para presenciar o novo patamar que a música ao vivo atingiu com o U2, aí vai o vídeo da afiada e afinada “Out of control”. Um detalhe: essa primeira música do U2 foi a segunda música do show e, dali em diante, foi uma catarse coletiva seguida de outra. E olha que eu sou fã inveterado de Pearl Jam, que de catarses não deve nada a ninguém, mas o U2 realmente fez dessa passagem pelo Brasil algo apoteótico e singular na história do rock.

Killing Bono!

2011-04-09T23:19:00.005-03:00

Aproveitando o gancho da vinda do U2 ao Brasil, semana passada rolou a pré-estréia mundial em Dublin do tão falado filme “Killing Bono”: a história real de dois irmãos que em 1976 formaram um grupo de rock na cidade com ambição de se tornarem a maior banda do mundo. No mesmo período e na mesma sala de aula que eles, o amiguinho Paul Hewson, que assumiria logo a alcunha de Bono Vox, teve a mesma idéia de fazer uma banda, mas com outra galera e sem tanta pretensão assim de virar rock star, segundo a lenda.

“Killing Bono” e seu ótimo mote “The outrageous true story of two nobodies who took on the biggest somebody on Earth”, estreou oficialmente dia 1º de abril no Reino Unido e Irlanda, e em julho no resto da Europa. O filme é inspirado no livro “I Was Bono’s Doppelganger”, lançado há oito anos pelo músico e jornalista musical Neil McCornick, amigo pessoal do U2 e ele próprio um dos irmãos da banda “rival”, que na mesma cena encontrou o fracasso total na inversa medida em que o amigo Bono trilhou o caminho da fama absoluta. Curiosidade: “Doppleganger” significa ser uma “cópia”, assumir a personalidade de uma outra pessoa, imitando-a em tudo o que ela faz.

A banda rival do U2, formada pelos irmãos Neil e Ivan McCornick, primeiro se chamou Yeah Yeah! e depois Shook Up!. Até assinaram um contrato com uma gravadora, mas nunca foram “alguém” na cena punk e pós-punk britânica por onde gravitavam, mesmo sendo irlandeses independentes. “Killing Bono” é um filme que celebra o fracasso. O personagem principal e autor do livro explicou também o fato de que o título “mata” o líder do U2 apenas no sentido metafórico, porque seria uma espécie de vingança de Neil por Bono ter roubado TODA a sua sorte no colégio, quando formaram suas bandas. Então, para tentar recuperá-la, a saída foi matar Bono pelo menos no cinema. E deu certo, num sentido.

Bono, que esteve no Brasil esta semana, não pôde comparecer à pré-estréia do filme em Dublin. McCornick disse que o astro do U2 não ficou bravo com ele por causa do título do filme. Inclusive já teve uma sessão privê de “Killing Bono” e disse ter gostado do resultado, dando seu aval.

Dizem, mas ainda não encontrei nada a respeito para ler, que Bono liberou para Neil McCornick uma música dele pré-U2, dos tempos do colégio, para ilustrar sonoramente as cenas dos dois na escola. A canção seria “Secret Mission”, escrita por Bono há 30 anos, gravada pelo U2 nos primeiros momentos como banda formada e nunca colocada em disco.

Quem faz o papel de Neil McCornick em “Killing Bono” é o bacana ator inglês Ben Barnes, que já teve sua boyband, mas não quer falar muito sobre o assunto. Hahaha!

A synth-salada do Miami Horror.

2011-03-31T18:21:00.002-03:00

Se você recita mantras do tipo "a música dos anos 70 e 80 é que era legal", então preste atenção num cara chamado Benjamin Plant, de Melbourne, Austrália. DJ, produtor e o cérebro por trás do Miami Horror – que remexe a nossa quinta que vem (07/04) no Circo Voador - Ben é dotado de uma capacidade impressionante de absorver, reprocessar e fazer sua música soar tão bem quanto suas assumidas influências destas duas décadas, sem cair no pastiche. O Miami Horror surge em 2010 com um álbum sofisticado, inteligente e extremamente bem produzido.

“Illumination” começa com Plant tentando nos desorientar com os dois pomposos minutos de "Infinite Canyons". Felizmente os passos que caminham de um canal para outro do fone de ouvido atravessam a paisagem sonora da abertura e caem direto na pista de dança em "I Look To You", uma obra de inspiração french house com um loop de metais metralhado por percussão e sustentada por uma linha de baixo de fazer Bootsy Collins choramingar baixinho. A voz relaxada da neozelandesa Kimbra faz o contraponto perfeito com a euforia disco da faixa.

Com sua síntese New Orderiana, "Sometimes" foi o primeiro single de Illumination. Tem uma letra que cheira a espírito juvenil e é também um dos pontos altos do álbum: uma audição mais atenta revela o trabalho meticuloso de Ben Plant ao preencher cada espaço da canção com efeitos, loops de bateria e backings vocoderizados quase imperceptíveis no refrão. Palavras de Ben: "Nós gastamos dez meses somente mixando o álbum, que é um processo que normalmente leva duas semanas. Temos de fazer o álbum que queremos fazer. E nós fizemos." Muito bom constatar que o trabalho valeu a pena.

Aliás, há uma tiragem inicial limitada de Illumination que inclui um disco extra com dez remixes. Os destaques da sessão bisturi vão para duas boas versões houseadas de "Moon Theory" ("Punks Jump Up Remix" e "Sam La More Remix"), Fred Falke dando uma polida em "Make You Mine" (faixa do EP Bravado) e o Treasure Fingers substituindo os sintetizadores de "Don't Be On With Her" (que na versão original copiavam na cara dura os teclados de "When Doves Cry" do Prince). O resto saiu da plástica com cara de Donatella Versace (sic).

O que você esperava do Vaccines?

2011-03-30T18:27:00.011-03:00

Foi lançado ontem no Reino Unido (e na internet para o mundo todo) “What Did You Expect from The Vaccines?”, álbum de estréia de nome sugestivo do Vaccines, grupo liderado por Justin Young e que tem sido o papo de 10 em cada 10 indies na Inglaterra nas últimas semanas. “What Did You…” já nasceu grande, pois conta com pelo menos quatro sucessos radiofônicos que funcionaram como um chamariz do álbum e aguçou a curiosidade da inglesada em torno do álbum.

O jornalista Paulo Terron entrevistou Justin Young para a Rolling Stone brasileira em sua edição de março. Terron aborda o fato de a imprensa inglesa apostar no Vaccines como um dos grandes nomes do ano na música. “É um peso, mas também é muito enobrecedor (…) O hype é algo curioso, que se autoconsome: primeiro te enchem de hipérboles e, pouco tempo depois, debatem sobre o fato de você merecer tudo aquilo. Mas acho que tem muita gente que nos considera bons, independentemente do que escrevem sobre nós”, disse Young.

Vaccines foi uma das principais atrações entre as milhares do South By Southwest, o festival que prende a atenção do mundo indie todos os anos, em Austin. A banda do pequeno gênio Justin Young fez um pocket-show no meio da rua para a AOL, em parceria com a revista Spinner. A apresentação nem fazia parte da programação “oficial” do evento.

As favoritas da PITADA são “If You Wanna” e “Blow It Up”, que desponta fácil como possível hino indie de 2011. I-M-P-E-R-D-Í-V-E-L-!

O instigante Jards Macalé.

2011-03-26T23:17:00.001-03:00

Jards Anet da Silva, ou Macalé, é um dos artistas mais instigantes da música brasileira. Compositor e instrumentista refinado, se divide em atividades múltiplas; uma delas é o ofício delicado (em tempos espinhosos, de interesses ligeiros) da amizade. Os amigos o adoram, a ele estão sempre rendendo homenagens e distribuindo elogios.

Aniversariante de março, nasceu num dia 3, no ano de 1943, nas imediações do Morro da Formiga, no bairro da Tijuca – mais carioca, portanto, impossível -, filho de pai e mãe que tocavam acordeom e piano. Começou a respirar música muito cedo, que sorte, e jamais se afastou dos acordes dissonantes da rebeldia tropicalista. Cidadão do Rio de Janeiro, do mundo (viveu bom tempo na Europa, quando tocou e cantou, entre outros, com Caetano e Gil) e de Penedo (refúgio onde Macalé volta e meia vai buscar sossego e inspiração), ele sempre soube o que é vida de artista: nunca buscou moleza.

Jards Macalé começou a mostrar serviço em meados dos anos 1960, como violonista do Grupo Opinião. Estudioso e atento, fez direção de espetáculos musicais de divas como Maria Bethânia, teve a obra (construída em parceria com poetas do seu peito, como Torquato Neto, Wally Salomão e José Carlos Capinam) gravada por feras do porte de Paulinho da Viola, Elisete Cardoso e Gal Costa (quem não conhece, na voz da doce baiana, os versos de “Vapor barato”?). Arrepiou cabelos e chamou a atenção de público e de críticos em 1969, quando participou do 4º Festival Internacional da Canção – apresentando “Gotham City”. Nesse mesmo ano, lançou o seu primeiro álbum “Só morto”, antes de fazer as malas para Londres.

Volta e meia pica a mula, mas volta e meia está de volta. Para a nossa alegria. Salve todas as melodias, e salve, sempre, a simpatia de Jards Macalé!

Isso é revolução!

2011-03-18T13:14:00.005-03:00

Diante de incontáveis discos e releituras da obra dos rapazes de Liverpool – especialmente nos últimos dois anos no Brasil –, fica difícil acreditar que ainda seja possível aparecer regravação nova e relevante. Mas nada é impossível. Basta escutar o novo disco do grupo alemão Tok Tok Tok, "Revolution 69", para ter certeza de que ainda é possível muita releitura boa da obra dos Beatles.

Levando os fab four para um lado jazzístico, o grupo recria com maestria clássicos como Taxman, Come Together, Blackbird, Get Back, Help! e também faixas menos populares (se isso é possível na obra dos Beatles) como Why Don't We Do It In The Road? e Being For The Benefit of Mr. Kite. O Tok Tok Tok já havia gravado faixas dos Beatles em outros discos de sua carreira, mas este é um disco todo dedicado. Na verdade quase todo, não fosse pelo fato de que o disco termina com Working Day and Night, tema de Michael Jackson de 1979.

Regravar mais uma vez Beatles e fazer algo que valha a pena escutar: isso sim é revolução!

A plácida destruição de Moby.

2011-03-12T23:09:00.003-03:00

Nosso carequinha favorito Moby anunciou semana passada em seu blog que o seu próximo disco se chamará “destroyed”, e deve ser lançado em meados de maio deste ano. “Musicalmente, ele é muito melódico, atmosférico e eletrônico, e se eu tivesse de descrevê-lo melhor, diria que é um tipo de música feita para ser ouvida em cidades vazias, às duas da manhã”, disse Moby no blog, acrescentando que o gravou à base de velhos instrumentos eletrônicos comprados no site de leilões americano eBay, trabalhando em suas noites insones, em quartos de hotéis, geralmente começando a trabalhar às duas da manhã.

Sobre o porquê do nome “destroyed” (escrito em minúsculas mesmo), Moby disse que viu a palavra escrita certa vez num painel luminoso na parte de bagagens de um aeroporto que dizia: “As bagagens não recolhidas serão destruídas”. E esperou até que somente a palavra “destroyed” aparecesse para fotografá-lo. Junto com o disco, Moby lançará também um livro de fotografias, ressaltando que, em tempos de fotos digitais, feitas por qualquer um em qualquer aparelho, ele fez as dele numa antiga Nikon F, com as imagens reveladas à moda antiga, com papel fotográfico e em quartos escuros.

Antes do álbum em si, Moby lançará um EP com três faixas, que poderá ser baixado gratuitamente. “Espero que gostem, porque ele será grátis e iniciará o novo site mobygratis.com, que sempre terá música gratuita para os fãs”. Também estarão disponíveis três vídeos para cada uma das faixas. Um deles, para a música “Sevastopol”, foi feito da última vez em que Moby esteve no Brasil, tocando com Carl Cox, em São Paulo. Realmente o Brasil está cada vez mais presente em todas!

Devagar e sempre.

2011-03-03T00:46:00.009-03:00

"ôô" - o nome é ótimo! - é a primeira faixa de trabalho do segundo disco de Marcelo Camelo. Os teasers vem sendo disponibilizados desde segunda-feira, 28, e dá pra sentir o clima vintage dos três aqui reunidos. A canção, na íntegra, tá prometida para cair na rede hoje. O disco mesmo - ainda sem nome divulgado - só em abril. Não é o Radiohead mas já causou frisson!

Sujo de areia

2011-03-01T12:15:00.004-03:00

Ele é o rei... da bebedeira, das drogas, do sol e das praias californianas pródigas em sons garageiros com o rock na veia! O clipe oficial de "King of The Beach" é o perfeito retrato do lifestyle do Wavves e, principalmente, do vocalista Natham Willians que já protagonizou alguns porres homéricos e misturas explosivas de drogas prejudicando até apresentações da banda. Este filme Amy de ser já conhecemos bem. Cada um cuida do seu. O que não dá é pra deixar esta pegada contagiante escorrer como areia entre os dedos. Salve o rei!

Gal a todo o vapor

2011-03-01T11:36:00.004-03:00

Vem coisa boa por aí! Ao menos a torcida é enorme para que Gal Costa retome seu legítimo lugar de destaque na música brasileira. Pelos indícios, o novo disco já desperta curiosidade. O repertório será todo inédito e composto pelo irmão Caetano que assina, juntamente com o filho Moreno, a produção do disco. Não bastasse a comemorada participação da Banda Cê (Pedro Sá, Ricardo Dias Gomes e Marcelo Callado), um dos pilares do rejuvenescimento e novo vigor musical de Caetano, a produção vai contar com os experimentalismos instrumentais dos cariocas do Rabotnik e o onipresente Kassin, o mago da simplicidade necessária. Vaaaaiiiiii Gal!

Complexo de Gabriela

2011-02-28T15:18:00.004-03:00

Ela nasceu assim, a polêmica materializada em pessoa? Ou foi criada por todos os "meios" para se tornar única? O fato é que Lady Gaga é necessária para o mundo contemporâneo egoísta, midiático e pop. Se veio do berço, como a canção indica, pouco importa. A verdade está no fato de que o mundo popstar americano necessitava de uma persona na indústria da música à altura das estrelas do seu poderoso conglomerado cinematográfico. Se o vácuo existia desde o auge de Michael e Madonna, e quase chegou lá novamente com Britney e Beyoncé - esta com mais louvor, inclusive musical - Gaga chegou e parece não querer largar o posto de jeito nenhum. Com a bela produção de "Born This Way" em imagens ora futuristas, ora retrôs, e a figura por vezes assustadora da diva, Gaga dá o recado: o trono está ocupado!

Uhuuu! Cidadão Instigado vem aí!

2011-02-20T11:37:00.003-03:00

“Abram as portas das suas casas, deixem os ladrões entrarem, eles vão tentar levar tudo o que puderem”, instiga, literalmente, Fernando Catatau, cabeça pensante do Cidadão Instigado, em “O Nada”, faixa que abre de forma envolvente e filosófica o terceiro álbum de um dos grupos independentes brasileiros mais celebrados da década “passada”. O álbum “Uhuuu!” (2009) parte da musicalidade do festejado “E o Método Túfo de Experiências” (2005) em direção a uma sonoridade mais direta e orgânica, sem deixar de lado as principais características do grupo: um caldeirão fervilhante movido a rock psicodélico e música brega. Cidadão Instigado soa como se Odair José integrasse por um fim de semana o Pink Floyd.

A beleza de “Como as Luzes”, com um tecladão espacial e letra comovente, a orgia instrumental da extensa “Escolher pra quê?” em seus quase sete minutos de duração, os solos de guitarra e timbragem retrô, o mix funk arrasador de “Doido” e suas batidas e teclados que lembram algo de Franz Ferdinand e trazem ao cabo Arnaldo Antunes declamando maluquices, a explosão espacial “A Radiação na Terra” soando como Caetano na fase “Araçá Azul” movido a guitarradas e a conclusão poética de “Deus É uma Viagem”. Entre a revolta solitária e a tristeza semi-hippie, Cidadão Instigado cravou outro álbum fenomenal.

Presença confirmada no Rock in Rio 2011, a banda subiu ao palco do Oi Novo Som durante o mega-festival SWU no ano passado em Itú, animando o público que lotava a tenda para assistir à apresentação de Fernando Catatau e companhia. Como uma das características do som plural da banda, sonoridades mais eletrônicas, com a referência oitentista dos teclados, se misturavam às guitarras do frontman e de Régis Damasceno. Ao final, o pedido de bis por parte do público – mas o retorno do grupo não aconteceu, devido aos horários organizados pela equipe do festival.

E a melhor notícia vem agora: sábado que vem (26), a Pitada apresenta a banda ao vivo e a cores no palco do Teatro Rival, pelo projeto Rival + Tarde. Dizer o quê? Uhuuu!

Sonoraridades

2011-02-19T20:16:00.006-02:00

Mais uma bola dentro do Nelsinho Motta na curadoria do projeto Sonoridades que ainda está a todo vapor com shows do Lucas Santtana, neste sábado, encerrando com Silvia Machete e convidados no próximo weekend. O vídeo acima - do caprichoso Bruno Maia/14prod, onde dou uma leve contribuição - apresenta a elevação de espírito que foi a estréia do projeto Seu Jorge & Almaz - que já rascunhamos aqui - no Brasil, no início de fevereiro. Música de primeira linha! O disco já se tornou um clássico desde o lançamento, em 2010, a época contando ainda com o trilheiro Antônio Pinto no baixo, que excursionou com a banda pela europa e Estados Unidos. No Brasil, Pinto deu lugar a Dengue e agora o projeto segue com Seu Jorge esculachando na interpretação de clássicos de diversas paragens com o peso de Pupilo e Lúcio Maia, isto é, o próprio Nação Zumbi! Dia 26 de março eles prometem uma apresentação inesquecível no Circo Voador. A lona vai ser pequena!

Ah, se todos os dias fossem assim...

2011-02-19T19:56:00.007-02:00

O incauto repórter, fotógrafo e videomaker Ramon Moreira captou quatro petardos interinhos da anunciada despedida do LCD Soundsystem. Provavelmente, o público que lotou o Vivo Rio, na última quinta-feira, apreciou a derradeira apresentação de James Murphy e cia em palcos brasileiros e, quiçá, do mundo! Murphy andava meio ranzinza e constrangido com o fato de não ter mais idade para fazer shows de rock. São nessas horas que temos que tirar o chapéu para os ossos-duros-de-roer dos "velhinhos" dos Stones. Tem que ter mesmo muito tesão e energia pra seguir na estrada. Mas ao menos o LCD nos deixou, além do contagiante show no Rio de Janeiro, o excelente "This Is Happening" lançado ano passado.

Ele é o rei!

2011-02-18T20:10:00.003-02:00

Depois da notícia do Newspaper Album o clip de "Lotus Flower" tinha que constar aqui no nosso bloguinho musical. Tá lindão, PB contrastado e a dancinha desconcertante de Thom Yorke criam uma atmosfera que entra pro rol dos inesquecíveis e clássicos. O novo disco "The King of Limbs" (2011) já está na rede com três diferentes possibilidades de compra. Agora é degustar!

Tá ligado?

2011-02-15T00:07:00.012-02:00

Você curte caminhar, pedalar ou dar um rolezinho de skate ouvindo música mas já quase foi atropelado por conta de tanta empolgação? Pois então seus problemas acabaram! Foi lançada na App Store a versão atualizada do Awareness, aplicativo para iPhone, iPad e iPod Touch que permite ouvir músicas no fone de ouvido sem se desligar do mundo exterior. O aplicativo oferece diferentes ajustes como pausar a música quando um volume externo é muito alto ou ajustar um padrão máximo de volume a partir do som ambiente. A Essency, desenvolvedora do aplicativo, explica que este controle é possível com a ajuda do microfone do aparelho que capta os sons à sua volta e regula o volume do headphone automaticamente. A ideia é se certificar de que as pessoas que escutam música na rua estejam atentas a qualquer perigo ao seu redor, possibilitando ouvir avisos sonoros e de trânsito a tempo de agirem de modo correto. Mais uma maravilha da tecnologia.

Radiohead inventa mais uma: "Newspaper Album"

2011-02-14T09:45:00.006-02:00

Depois de deixar que o público decidisse quanto iria pagar pelo disco "In Rainbows", de 2007, o Radiohead resolveu criar o conceito que chamaram de "Newspaper Album". Seja lá o que for, o pacote acompanha dois vinis, um CD, várias folhas de impressões e a versão digital para download. Um prato cheio para os fãs de carteirinha da banda de Thom Yorke. O interessante é que o disco começa a ser vendido agora, mas só será enviado em maio. Ou seja, provavelmente será o público que irá financiar a produção. Mas o download já poderá ser feito a partir de sábado, dia 19 de fevereiro.

O novo álbum "The King of Limbs" tem o nome baseado em uma árvore milenar da floresta de Savernake na Inglaterra.

Strokes em doses homeopáticas

2011-02-09T09:25:00.001-02:00

Depois de cinco anos sem lançar material novo, e muitos projetos paralelos depois, os nova iorquinos do Strokes começaram a anunciar novidades aos poucos.

Primeiro foi a data de lançamento do novo disco "Angles" e o nome das dez faixas, depois a capa do primeiro single, e agora anunciam o lançamento do primeiro single "Under Cover of Darkness", que ficará disponível para download por 48 horas no site oficial da banda, de hoje (9 de fevereiro) até amanhã. Corre lá pra baixar antes que as luzes se apaguem!

Bolo de bolo

2011-02-08T11:59:00.000-02:00

Sete longos anos se passaram até que os californianos do Cake retornassem em grande estilo com sua cozinha musical em "Showroom of Compassion" (2011), sexto álbum de estúdio da banda. A música de entrada, acompanhada pela ótima animação dirigida por Owen Cook, retoma as letras politizadas, a postura sarcástica de John McCrea e sua peculiar maneira de balbuciar/cantar que estavam deixando os fãs pelo mundo - e daqui de casa - com muitas saudades. O vocalista e líder da banda assina todas as canções do novo disco com exceção de "What's Now Is Now", um cover de Frank Sinatra que entra pro roll de preciosas releituras ao longo da discografia do Cake como "Perhaps, Perhaps, Perhaps" e "I Will Survive" encaixadas em "Fashion Nugget" (1996) disco que se tornou o grande sucesso da banda e alargou suas fronteiras. Tomara que a turnê do novo disco inclua o Brasil. Estaremos na área do perdigoto!

O reinado de Lamartine.

2011-01-29T10:21:00.000-02:00

Uma nota publicada numa edição da VEJA, ano passado, dizia: “Muito se falou do “Rebolation”, mas, entra ano, sai ano, a febre do Carnaval são mesmo as marchinhas. Levantamento realizado pelo Ecad mostra que, das 20 músicas mais tocadas em fevereiro nas casas de festas e eventos de rua país afora,18 eram do gênero. As duas exceções são o frevo Vassourinhas, na 14ª posição, e, aí sim, o intragável Rebolation, em 20º. O pódio ficou para Mamãe Eu Quero, Cabeleira do Zezé e Me Dá um Dinheiro Aí. Entre os compositores, os cariocas João Roberto Kelly, Braguinha e Lamartine Babo foram os mais tocados.”

Autor de alguns dos maiores sucessos do Carnaval, Lamartine fez escola, criou um estilo de música carnavalesca que durante décadas dominou as ondas do rádio, o mercado fonográfico e os salões da folia. Foi parceiro de Noel Rosa em músicas como “A-B-Surdo”, “Menina dos Meus Olhos” e “A, E, I, O, U”, de Assis Valente em “Jeannette”, e de Ary Barroso em “Grau Dez”, “Amor de Mulato” e na dolente “No Rancho Fundo”, gravada em 1931 por Elizinha Coelho (uma das primeiras divas do rádio, mãe do jornalista Goulart de Andrade) e regravada infinitas vezes, uma das mais recentes pela dupla Chitãozinho e Chororó.

Outro parceiro constante de Lamartine foi Braguinha – o João de Barro – com quem fez sucessos como “Cantores do Rádio” e “Eu Queria Ser Ioiô”, gravada por Carmen Miranda. Mário Reis gravou da dupla “Uma Andorinha Não Faz Verão”, sucesso estrondoso no carnaval de 1934. Muitas de suas marchinhas venceram o tempo e ainda hoje são cantadas durante os festejos de Momo, tais como “O Teu Cabelo Não Nega” e “Linda Morena”.

O auge se deu nos anos 60 e 70, quando o dinheiro começou a fluir pesadamente nos cofres das sociedades arrecadadoras, que intensificaram a fiscalização sobre salões de bailes e emissoras de rádio, engrossando os proventos dos autores. Como disse o maior intérprete de marchinhas de todos os tempos, Joel de Almeida: isso atraiu muita gente gulosa. Associada ao jabaculê pago para que suas músicas tocassem nas rádios, esses bicões deixaram a velha guarda das músicas carnavalescas para trás. Só não contavam que as marchinhas antigas, como as de Lamartine, se imporiam imortalizadas na voz dos foliões.

Lamartine não fazia só marchinha carnavalesca: compôs outros gêneros com grande competência e inspiração, como o foxtrot “Canção Pra Inglês Ver”, gravado por Joel e Gaúcho, e canções juninas, que ainda hoje animam as noites frias de São João, como “Chegou a Hora da Fogueira”. É ainda autor dos hinos alternativos dos times cariocas de futebol – aliás, ninguém canta os hinos oficiais, só os seus – e torcedor fanático do América, para o qual reservou a melodia mais bonita. Foi fantasiado de diabo que ele comemorou o último campeonato do time, em 1960.

Oswaldo Sargentelli, sobrinho de Lamartine, prestou-lhe uma homenagem em 1983, com o musical “Olê, Olá”, na boate Oba Oba, no Rio, onde 20 mulatas escolhidas a dedo rebolavam e cantavam os antigos sucessos de seu tio famoso, cujas marchinhas e sambas, tão célebres e respeitados, nunca deixarão de ser cantados, enquanto houver Carnaval.

O som visual de Teebs.

2011-01-22T10:24:00.000-02:00

É muito bom começar o verão de 2011 ouvindo (mais uma vez) “Ardour”, o primeiro álbum de Teebs. Pintor, skatista e “beat maker”, Teebs é amigo, discípulo e protegido de Flying Lotus. Isso explica o fato de “Ardour”, um álbum de sonho de uma noite de verão, ter saído no final de 2010 pelo selo Brainfeed, cujo dono é o próprio Fly-Lo, de quem Teebs já foi vizinho em Los Angeles.

A proximidade e a afinidade influenciaram Teebs na medida certa, mas nunca ao ponto de fazer ele soar como uma imitação do Flying Lotus. Pra isso, Mtendere Mandowa (esse é o nome do cara!) fez as coisas com sabedoria: caprichou nas batidas e nas texturas, mas não meteu o pé completamente no experimentalismo, tão forte e tão bem resolvido nessa cena “beat” de Los Angeles. Em vez disso, criou um som mais “visual”, evocativo e que, com o perdão do trocadilho, parece uma pintura.

Nas 18 faixas do disco, fragmentos de hip hop, jazz e ambient colidem, gerando partículas musicais que Teebs manipula como se fossem tintas na sua palheta. O resultado é um som multicolorido e lisérgico como os visuais de “Avatar” – Flying Lotus descreveu “Ardour” como a trilha não-oficial do arrasa-quarteirão de James Cameron.

De fato, “My whole life” parece o som daquelas criaturas, parecidas com águas-vivas, que iluminavam Pandora durante a noite. Já “While you dooo”, puxada por uma suave batucada, cria uma good trip praiana carioca. “Moments” lembra o melhor do inigualável Lemon Jelly. E “Lakeshore Ave”, curtinha, com menos de dois minutos, é uma pílula que nos faz sonhar com jazz a beira da praia.

A capa, linda, foi desenhada por Teebs, como era de se esperar. E é por causa dela que o vinil (duplo) já está a caminho lá de casa. Afinal, “Ardour” é um disco pra apresentar à toda família!

Está só começando.

2011-01-17T02:20:00.000-02:00

Doçura e simplicidade. Energia e complexidade. De muitas formas "Feito para Acabar" (2010), de Marcelo Jeneci, chega aos ouvidos e impressiona aos mais atentos. Ramon Moreira é um dos sintonizados na frequência do que tem sido apresentado de belo pelos representantes da nova música brasileira.
Este registro Cotidiano tem permitido a muitos de nós uma aproximação das idéias, palavras e sonoridades que conectam estas ilhas musicais que nos chegam através de suas lentes carregadas de pessoalidade e profundidade. E nós, daqui, batemos palma!

Uma combinação peculiar.

2011-01-15T20:43:00.000-02:00

Em turnê pelo Brasil, o americano Mayer Hawthorne, um dos expoentes do “novo soul”, está em vias de lançar um novo álbum. Após o sucesso de seu trabalho inicial, “A Strange Arrangement” (2009), Hawthorne contou para a Billboard que seu segundo disco – ainda sem nome – está em fase final de produção e deve soar bastante como suas principais referências: Beatles, Doobie Brothers e até Stereolab e Public Enemy. Vale lembrar que “A Strange Arrangment” está sendo lançado no Brasil pelo selo Oi Música, em parceria com a Urban Jungle Records e estará nas lojas a partir de 18 de Janeiro.

No Brasil, Hawthorne já se apresentou em Florianópolis e sua perfomance foi bem elogiada pela crítica. O consenso é geral: o jeito nerd combinado com as influências românticas de jazz, soul e rock da década de 50 e seu carisma no palco não o deixaram ser ofuscado por divas do quilate de Janelle Monáe e Amy Winehouse.

Seus próximos shows da turnê no Brasil serão na sexta, dia 14, no Rio, e sábado, dia 15, em São Paulo, onde os ingressos já estão esgotados. Pra quem não conseguiu garantir o seu, o cantor irá apresentar um DJ-set no clube Alberta #3, na festa Decadance. Um dado interessante: Hawthorne começou na música como DJ, antes mesmo de se tornar cantor ele já colecionava discos e discotecava por aí. Seu “nome artístico” é DJ Haircut e seu setlist é rico em pérolas do funk, soul e hip-hop.

P.S.: O show do Mayer Hawthorne no Circo Voador vai receber doações para as muitas famílias vítimas das fortes chuvas e desabamentos no Estado. Um começo de ano amargo para muitos… Vamos nos envolver!

30 anos sem Cartola.

2010-12-18T10:25:00.000-02:00

No último dia 30 fez trinta anos da morte de um dos maiores compositores da música brasileira, autor de clássicos inesquecíveis, parceiro de Noel Rosa e fundador da Estação Primeira de Mangueira: Angenor de Oliveira. Cartola não teria argumentos para explicar a obra que tem se não fosse o raro talento natural. Era pobre e com pouca instrução, utópico seria para a maioria dos que vivem nessa realidade atingirem o nível poético dele. Poucos que se destoam do bando e terminam em viver além do simples. Designar uma trama tradicional para a sina de Cartola seria um pecado que Deus não ousou cometer.

Um dos criadores do conceito “escola de samba”, conviveu com Noel e outros grandes compositores do gênero desde cedo; sempre atingia o ponto certo em suas canções. Mas só lançou um disco depois dos 60 anos. Bastante tempo que suscita inúmeras justificativas, entre muitas histórias. O certo é que ele passou um tempo em exílio inventado até ser visto lavando carros por Sergio Porto. Tão virtuoso com as letras como Cartola, mas o conto do sambista que some, desaparece, casa, descasa, diz que ama e trai, ele nunca escreveu. Entre sorte, mistério e talento, o cara que usou um Ray Ban, virou o café e tirou uma foto para a capa do terceiro disco é um dos artistas mais reverenciados da terra brasilis. “O Sol Nascerá”, composição de Cartola com Elton Medeiros, encabeça a lista da músicas brasileiras com mais regravações; “O mundo é um moinho” e “As Rosas Não Falam” também são marcos da brasilidade.

Os dois álbuns iniciais, lançados pela Marcus Pereira Discos, são obras-primas que escapam do rótulo “samba” e comovem até os algozes do tipo. De 1974 e 1976, eles concentram as músicas supracitadas e demais encantos como “Quem me vê sorrindo”, em que Angenor dispara com suavidade o que ele mesmo chama de “erro de toda humanidade”: “uns choram por prazer, outros com saudade”. Em “Alegria”, dispara a raiva sem pudor com a estética mais alegre possível, “Eu sei / Que teus beijos e abraços / Tudo isso não passa / De pura hipocrisia / Já que tu não és sincera / Eu vou te abandonar / Um dia”. Um deboche com a classe de quem não se rebaixa, mas sabe dos seus erros.

O elenco irretocável de canções instruídas por dor e prazer é um ícone para quem se emociona com música. Sem interferência do péssimo lugar comum, Cartola acerta em cada letra no calcanhar-de-aquiles dos insensíveis. Todos caem do altar sensibilizados pela voz não bela, mas afinada e certeira. Desabando na foz inquietadora da verdade embalada na paixão. Faz trinta anos do seu exílio definitivo. Acontece. A gente disfarça e chora, mas não esquece ou abandona. Vida longa ao célebre morador da Mangueira, que hoje não ia gostar muito das coisas como são, mas certamente teria algo surpreendente a dizer.

Samba que é um luxo só!

2010-12-05T10:27:00.000-02:00

A estreia do ótimo Sereno da Madrugada com seu recém-lançado ”Modificado” se dá em grande estilo. O trabalho era muito esperado pelos fãs do grupo, que coleciona admiradores e parceiros como Hermínio Bello de Carvalho – autor do belo e generoso texto de apresentação -, e preenche em cheio as expectativas. Da escolha do repertório à interpretação dos jovens bambas, dos arranjos leves e elegantes de canções conhecidas ou das criações da própria turma, o álbum é uma delícia de se ouvir e entra no páreo dos concorrentes a álbum-revelação de 2010.

O álbum é uma singela homenagem do Sereno da Madrugada ao samba brasileiro e seus grandes criadores, especialmente ao saudoso Padeirinho da Mangueira (Oswaldo Vitalino de Oliveira, 1927-1987), de quem retomam e rearrumam o inspirado “Modificado”: um samba que o próprio Hermínio desencavou no final dos anos 90, juntamente com o diretor musical Paulão 7 Cordas, para um disco antológico de sambas de terreiro com os craques da Mangueira, por iniciativa do Arquivo Geral da Cidade do Rio de Janeiro.

Além de Padeirinho, outros gênios da música popular são regravados, tais como Ary Barroso, que comparece com a buliçosa “É luxo só”, com letra inspiradíssima do genial Luiz Peixoto, ou a dupla Wilson Moreira & Nei Lopes, de quem o Sereno regrava “Efun Oguedê”. Tem ainda o sempre lembrado Roque Ferreira, com a caprichosa “Tempo mar”, que foi uma parceria com o cavaquinista do grupo e também compositor Miguel Garcia. Aliás, se confirmou como um excelente compositor, pois sua “Mangueira dos frutos rosa” é um primor!

Além de Miguel,“Modificado” se completa com canções dos outros talentosos integrantes do Sereno da Madrugada: a cantora Patrícia Oliveira (autora da pérola “Própria luz”), o violonista e cantor Fernando Temporão, e o percussionista Alfredo Alves. Um disco emocionante para fãs inveterados do gênero carioca e brasileiro mais popular da nossa música.

PS dos editores: Não achamos uma foto com resolução à altura do som, por isso optamos pelo vídeo da ida do grupo ao “Programa do Jô”. Além de tocarem, eles dão o telefone de contato!

Rosas vermelhas para Gregory Isaacs

2010-11-20T10:32:00.000-02:00

Ah, segundas-feiras… Ficou em silêncio no dia 25 de outubro uma das maiores vozes do Reggae – e certamente de todo o mundo. O supremo Gregory Isaacs morreu em sua casa, em Londres, depois de uma batalha de um ano contra um câncer de pulmão. Como todo bom regueiro, Gregory gravou zilhões de discos, alguns maravilhosos, outros nem tanto.

O mais conhecido e poderoso de todos foi ”Night nurse”, de 1982, feito em parceria com a dupla Sly & Robbie. Ali está Gregory, o “Cool Ruler” em todo o seu esplendor: a voz de canarinho, com toda a malandragem jamaicana, em grooves românticos de entortar a cintura e abalar o coração. Não por acaso, ele era rei nas quebradas regueiras de São Luís, no Maranhão, onde suas pedras fizeram bombar as radiolas locais e embalaram muitos casais dançando juntinho. E era também, acima de tudo, como mostra a toda linda “Too good to be true”, um soulman, como quase todo (bom) cantor de reggae “made in Jamaica”.

Gregory – que fez um show bagunçado, mas inesquecível, na Fundição há alguns anos – foi homenageado, de cara, por Suggs, do querido Madness, na cerimônia de premiação da revista Q em Londres, na mesma noite de sua morte. Segundo Suggs, Gregory era um dos mais elegantes cantores da história do reggae. Outras homenagens certamente vão pintar ao longo dos meses e dos anos – já morrendo de saudades, fica aqui a nossa, singela, a essa estrela maior do Reggae.

O fim de uma era?

2010-11-13T10:34:00.000-02:00

Um dos mais perfeitos objetos de design dos últimos 40 anos, o toca-discos Technics SL-MK2, deixará de ser fabricado. A notícia foi dada esta semana pela fabricante, a japonesa Matsushita (dona das marcas Panasonic e Technics). A leva que irá para as lojas até o fim deste ano será a última. No entanto, como os aparelhos são robustos e duradouros, ainda ficarão muito tempo por aí. Muitos dos originais fabricados nos anos 70 continuam rodando nas casas de DJs, audiófilos e clubes ao redor do planeta como novos. Basta uns ajustes no pitch e uma limpeza que ficam tinindo.

Os MK2 raramente dão defeito, já que não usam correia de borracha e são movidos a cristal de quartzo. Como possuem poucas peças móveis ou destacáveis, só o cartucho com a agulha é avulso e vendido à parte, não há nada no corpo do aparelho que possa dar defeito. Duram, duram e duram.

Os MK2 começaram a ser fabricados em outubro de 1972 pela Matsushita. Originalmente lançado como um toca-discos de alta qualidade, rapidamente foi adotado por radialistas e DJs. Desde o seu lançamento em 1978, o modelo SL-1200MK2, que acabou sendo o mais famoso de todos (e seus sucessores, que mudaram basicamente de cor e por algum detalhe no console e nos cabos), tem sido o toca-discos mais comum entre os DJs de clubes e o DJs de performance (turntablists), que as usam para os scratches.

Desde o lançamento, mais de 3 milhões de unidades foram vendidas. Muitos dos modelos fabricados nos anos 1970 ainda estão em uso. Atualmente, um aparelho novo custa entre US$ 500 e 700, e no Brasil chega a ser vendido por R$ 2 a R$ 3 mil. No mercado de aparelhos usados, custa cerca de R$ 1.500 e pode ser achado em lojas dos centros do Rio e Sampa e também em sites de troca e venda. Agora, com o fim da fabricação, vão ficar ainda mais cotados.

Para nossa alegria, a Panasonic anunciou esta semana que vai tirar do mercado apenas o modelo SL-1200MK6 e que as outras pick-ups continuarão no mercado por tempo indeterminado. UFA!

Nada como o tempo...

2010-11-06T09:37:00.000-02:00

A banda pernambucana Mombojó, uma das mais queridas e atuantes da cena independente, precisou de “Amigo do Tempo” (2010) para colocar a cabeça no lugar e voltar a empunhar caneta, papel, guitarras, efeitos e continuar trilhando sua original estrada musical. A morte repentina do flautista Rafael Torres, em 2006, e a saída do violonista Marcelo Campelo, dois anos depois, explica o silêncio necessário desde o lançamento de “Homem Espuma”, em 2006, pela gravadora Trama.

O provérbio “a necessidade aguça o talento” explica a maturidade exposta em todas as 11 faixas de “Amigo do Tempo”, disco que foi decantado vagarosamente a partir de ensaios e pré-gravações num sítio em Aldeia, nos arredores de Recife.As experiências sonoras foram tão ricas que os integrantes decidiram se jogar de forma independente na produção do disco com a ajuda de Pupilo, baterista do Nação Zumbi, em cinco faixas e mais alguns técnicos em estúdio.

Com dois integrantes a menos, a sonoridade do Mombojó, naturalmente, passou por algumas modificações. As constantes mudanças de ritmo e direções deram espaço a canções mais fluidas em uma roupagem pop, facilmente assobiáveis numa roda de violão. A melancolia, o futuro sempre incerto e a esperança são temas recorrentes, como na faixa de abertura “Entre a União e a Saudade”. Há ainda pérolas colocadas entre as melhores de toda sua trajetória, como “Casa Caiada” e “Passarinho Colorido”. Fechando o disco, a solar “Papapa”, que originou um clipe multicolorido com referências a séries e desenhos japoneses.

Na próxima sexta-feira, dia 12, o Mombojó se apresenta no “Fundição de Todas as Tribos”, ao lado de Fino Coletivo, Móveis Coloniais de Acaju, Orquestra Voadora e das festas Verde Amarelo, do DJ Janot, e a nossa Pitada, sempre conectada aos representantes da nova música brasileira. O festival acontece na Fundição Progresso, no coração da Lapa.

Em alto e bom som.

2010-10-17T01:25:00.000-02:00

Citando Celso Blues Boy, celebrado em noites memoráveis do Circo Voador, “aumenta que isso aí é rock’n’roll”! E dos bons. “Guitar Heaven: The Greatest Guitar Classics Of All Time” (2010) é uma ode do guitarrista Carlos Santana aos clássicos do rock que dataram diferentes épocas e entraram para a história. Tem Led Zeppelin? Sim, “Whola Lotta Love” (1969) abre a sequência de pedreiras na voz de Chris Cornell (ex- Soundgarden e Audioslave) perfeitamente encaixada nas lembranças dos aficcionados pela performance vocal de Robert Plant à frente do extinto Zeppelin. E Rolling Stones, tem também? Claro. “Can’t You Hear Me Knocking”, encartada no disco “Sticky Fingers” (1971), vem embalada por Scott Weiland, que fez fama – boas e más! – liderando o Stone Temple Pilots no auge do grunge e, mais recentemente, como front man do Velvet Revolver, ao lado do guitarrista Slash , ex-Guns N’ Roses. A pancada continua com “Sunshine of Your Love” (1967) que eternizou o solo de Eric Clapton na época do power trio Cream, aqui cantada pelo americano Rob Thomas. E ainda “Back in Black” (1980), do AC/DC, interpretada pelo rapper Nas com a ajuda do também americano Robyn Troup e o riff pesado de “Smoke on the Water” gravada pelo Deep Purple, em 1972. Isto sem esquecer as regravações do The Doors, com “Riders on the Storm” (1971) e de Jimi Hendrix, na faixa “Little Wings”, do álbum “Axis: Bold as Love” de 1967. Num disco de clássicos da guitarra, não poderia faltar “While My Guitar Gently Weeps” composta por George Harrison para o “White Album” (1968) dos Beatles e que se tornaria um dos grandes clássicos dos meninos de Liverpool. A curiosidade é que o célebre solo de guitarra foi gravado à época pelo amigo Eric Clapton com o consentimento de Paul e Lennon que, até então, desdenhavam da canção. Em “While My Guitar...”, a britânica India Arie canta apoiada em arranjos do mestre do cello Yo-Yo Ma. Além da excelente compilação de Santana, que agrupa com maestria diferentes vertentes do classic rock, “Guitar Heaven…” denota seu reconhecido talento em reunir grandes nomes do universo pop em torno dos seus discos, fruto de sua pluralidade e originalidade musicais e virtuosidade inegável empunhando a guitarra.

Lulilândia.

2010-10-09T11:39:00.000-03:00

Sustentabilidade foi o tema que passeou pelo noticiário brasileiro nos últimos meses, encampado com muito rigor e solidez no discurso da até então candidata à presidência e ex-ministra do Meio Ambiente, Marina Silva. De hoje até a próxima terça-feira, o mundo sustentável e a música são os pilares do Festival SWU (Starts With You), em Itu, São Paulo. Porém, aqui, me atenho à música – claro! – e a outro “s”: o do singelo ou, simplesmente, da Lulilândia. Este é o universo de inocência e expressão artística da pernambucana Lulina. Poetisa, redatora publicitária, desenhista, escritora e musicista autodidata, Lulina – ou Luciana Lins para os íntimos – moldou sua forma, suas palavras e seu olhar para o mundo caminhando pelas íngremes e tortuosas ladeiras de Olinda da sua infância. Anos depois, a mudança para São Paulo expôs ainda mais seu universo particular, pueril e fantasioso através da maneira simples de tocar violão e compor canções.  Em 2009, lançou “Cristalina”, compilação das melhores músicas registradas em oito discos gravados de forma caseira com a ajuda de um notebook, um microfone e distribuídos de mão em mão ou disponibilzados para download. “Cristalina” espelha seu olhar delicado entre criações de minhoca, príncipes ou, simplesmente, poesia.  A antiga mania do número 13 ficou de fora do seu primeiro trabalho produzido em estúdio. “Bichinho do Sono”, “Margarida” e “Argumentos” fazem parte de uma coletânea de 18 músicas que marcaram sua trajetória de menina a mulher. Lulina navega com doçura e leveza entre folk, o slow rock e sons de caixinhas de música em canções como “Subtexto”, “Narcolepsia” e “Balada Paulista”, que Lulina já confessou em algumas entrevistas que gostaria de ver gravada pelo Ultraje a Rigor.  Se o discurso da sutentabilidade é produzir, consumir e viver com responsabilidade ambiental, cultural e social, Lulina inocentemente serve de exemplo para mostrar que boa música é possível com muito pouco, basta a essência.

Para ouvir e se lambuzar.

2010-10-03T00:35:00.000-03:00

O nome Amy Winehouse te diz alguma coisa? Por acaso, lembra alguém com uma voz poderosa, cabelo tubinho ganhando os céus e escâdanlos na imprensa envolvendo drogas e bebedeiras? Ok, essa foi fácil. Mas e o DJ, músico e atual midas da indústria fonográfica mundial, Mark Ronson, você já tinha ouvido falar? Sabia que ele é o cara por trás dos estourados discos “Allright, still” de Lily Allen e “Back to black” da própria Amy – e que a duras penas produz o novo disco da cantora – além de ser responsável pelos novos trabalhos do camaleão Boy George e o pop de boutique Duran Duran? Talvez você tenha ouvido falar.
Agora, e o The Haggis Horns, você conhece? Não?! Confesso que até alguns meses atrás, eu também não. Mas desde que ouvi os primeiros petardos sonoros do recém-lançado “Keep On Movin’” (2010) me lembrei da célebre frase das Organizações Tabajaras: “seus problemas acabaram!”. Ao menos, os meus. A deliciosa mistura de acid jazz, hip hop, old funk, soul e afrobeat faz qualquer pista ferver espantando a tristeza pra lá das Highlands, região fria e árida do extremo norte da Escócia, país de origem do Horns. Aliás, o nome da banda faz alusão a um típico prato escocês feito com as vísceras do carneiro, uma espécie de buchada de bode da terra de Merlin e o Rei Arthur.
Voltando à vaca fria, ou melhor, ao carneiro… “Way of The Haggis” dá as boas-vindas do disco num afrobeat recheado de guitarras jazzísticas, estilo que forjou a formação da maioria dos integrantes da banda. As influências sonoras se sucedem em “Pass It On”, que caberia facilmente num disco de Aretha Franklin, “On the Edge” um R&B adocicado e na veia blaxpoitation de “Keep on Dancing”. Pra finalizar, “Keep On Movin’” – que dá nome ao disco – é o resumo da essência da velha – e sempre quente! – black music, revestida de estilo cool e modernidade estética. Vale conferir também “Hot Damn!” (2006), primeiro disco do Horns.
Talvez agora a pergunta seja sua: “mas por que então citar Amy e Mark Ronson?”. É que os músicos do Horns são a cozinha, os quartos e a sala de jantar dos shows e algumas produções de Ronson, como no ótimo “Versions”(2007) seu último trabalho solo. É aqui também que a liga com Amy Winehouse acontece. A radiofônica “Valerie” – na voz dela – é uma das faixas do disco de Ronson que conta com a suingueira do Horns, como você pode conferir neste vídeo.

De coração e Almaz.

2010-09-12T15:24:00.000-03:00

Escrever nem sempre é uma tarefa fácil, do recadinho deixado sobre a mesa ao resumo crítico sobre uma obra literária, as palavras somem ou as idéias perecem risíveis frente a obra original. Tratando do disco Seu Jorge e Almaz (2010), tentarei ser curto na escrita e deixar, literalmente, a obra falar. O disco é uma verdadeira jóia, uma redudância quando se descobre que a reunião de Pupillo e Lúcio Maia – baterista e guitarrista, respectivamente, da legendária Nação Zumbi – e Antonio Pinto, responsável pelas trilhas sonoras de “Central do Brasil” e “Cidade de Deus”, significa “diamante” em… russo! A voz de Seu Jorge seria então o polimento final dado ao conjunto de clássicos populares da música brasileira e algumas preciosidades do pop americano e britânico. Numa atmosfera musical onírica, de bossa nova entortada e flutuações sonoras advindas na sua maioria dos efeitos do dub (a veia viajandona e moderna do reggae), Seu Jorge embala a releitura de “Tempo de Amor” (Vinícius de Moraes e Baden Powell) em voz dobrada ligeiramente desafinada e a popular-uma-vez-brega “Tudo Cabe Num Beijo”, de Altemar Dutra. Surpreende a modernidade estética emprestada ao samba “Juízo Final”, de Nelson Cavaquinho, imortalizada na voz de Clara Nunes no disco Claridade (1975), e ainda a pérola (ops) “Saudosa Bahia”, de Noriel Vilela, cuja voz de tom gravíssimo foi tranquilamente substituída pela delicada interpretação de Seu Jorge numa bossa jazz conduzida pela guitarra de distorção clássica de Lúcio Maia, considerado por muitos um dos maiores guitarristas brasileiros da atualidade. A resenha já está ficando grande (como eu não previa) mas não posso deixar de falar do melhor: a originalidade das interpretações de “The Model” (Kraftwerk), “Everybody Loves the Sunshine” (Roy Ayers), “Girl You Move Me” (Cane and Able) e a cereja do bolo, minha preferida do disco, “Rock with you” do mestre e eterno pop Michael Jackson. Não soubesse eu da origem da palavra, faria um trocadilho com o nome do disco referindo-se e ele como resultado da profunda dedicação de todos colocando suor e alma nesta bela e eternizável obra.

Música sem censura.

2010-08-14T19:06:00.000-03:00

Na última semana, os mineiros do Pato Fu estrearam no Rio de Janeiro a turnê do disco “Música de Brinquedo” (2010). O álbum reúne pops e clássicos de sucesso no mundo e no Brasil tocados em instrumentos de brinquedo ou réplicas infantis. “Sonífera Ilha”, “Love Me Tender”, “Frevo Mulher”, “Ska”, “Rock And Roll Lullaby” são reproduzidos em arranjos fiés aos originais, nota a nota, sempre que os “instrumentos” permitem. No site da banda, Ulhoa – guitarrista, marido de Fernanda Takai e responsável pela produção do disco – cita a enorme pesquisa em lojas de brinquedo e sites de vendas para encontrar escaletas, guitarras, tecladinhos e outras traquitanas que pudessem dar conta da imaginação e da vontade de abocanhar um projeto tão ambicioso quanto complexo.  A idéia nasceu do universo vivido pelo casal desde o nascimento da filha de 6 anos e da convivência deles com os amigos que vivem o momento família reunida. “Primavera” foi a primeira tentativa ainda no estúdio de casa, reunindo os brinquedinhos da pequena e outras experiências em músicas do trabalho solo de Ulhoa e no disco anterior do próprio Fu. Com o primeiro resultado eles não teriam mais dúvidas do caminho a seguir. Em pouco mais de um ano de árduo trabalho para encontrar tons e sonoridades que permitissem gravar e, em seguida, seguir em turnê, “Música de Brinquedo” é recheado de pérolas como “Todos Estão Surdos” (Roberto Carlos/Erasmo Carlos), “Live And Let Die” (Paul McCartney/Linda McCartney) e “Pelo Interfone” (Ritchie/Bernardo Vilhena) apoiadas em pianinhos, sinos, bichos de pelúcia e corinhos infantis bem colocados. O resultado é surpreendente e certamente vai incrementar festinhas infantis que deixarão pais e mães menos entediados com a pasmaceira de grande parte das músicas feitas para crianças. Inspirado neste universo, música de adulto com tons infantis e vice-versa, deixo aqui algumas dicas que agradarão às crianças de todas as idades: 
“Músicas Daqui, Ritmos Do Mundo” – Lua Music 
“Snoopy’s Beatles Classiks On Toys” – Lightyear 
“Samba pras Crianças” – Biscoito Fino 
“Brasileirinhos” – Azul Music 
“The Muppet Show: Music, Mayhem, and More!” – Rhino/Wea

Dissecando Tom Zé.

2010-08-07T14:06:00.000-03:00

Compositor, cantor, arranjador e ator nascido em Irará, no sertão baiano, Tom Zé é uma das figuras mais originais e controvertidas da MPB. Aprendeu a gostar de música ouvindo rádio em sua cidade natal e decidiu estudar música na Universidade da Bahia, em Salvador. Lá teve aula com Koellreuter, Smetak e Ernst Widmer, e aprendeu harmonia, contraponto, composição, piano e violoncelo.

No começo da década de 60, conheceu Gilberto Gil, Gal Costa, Caetano Veloso e Maria Bethânia, com quem montou um grupo para os espetáculos “Nós, Por Exemplo” e “Velha Bossa Nova e Nova Bossa Velha”. Com o grupo foi para São Paulo, onde participou do espetáculo “Arena Canta Bahia” e do disco-chave para o movimento tropicalista “Tropicália ou Panis et Circensis”, lançado em 1968 e que continha sua composição “Parque Industrial”. No mesmo ano, conseguiu o primeiro lugar no Festival de MPB com “São São Paulo, Meu Amor” e apareceu seu primeiro LP individual, “Tom Zé”, seguido por outros álbuns na década de 70. Seu álbum “Todos os Olhos”, de 1973, foi considerado inovador demais, e não teve boa aceitação na época, afastando Tom Zé da mídia brasileira, a despeito do imenso sucesso de seus conterrâneos. Gravou outros discos de menos sucesso, como “Correio da Estação do Brás” (1978) e “Nave Maria” (1984).

No fim da década de 80, sua carreira deu uma reviravolta quando o músico David Byrne, líder da banda Talking Heads, descobriu num sebo o inovador “Estudando o Samba” (1976), fascinante LP em que Tom Zé (com parceiros como Elton Medeiros) mexe nas estruturas do principal gênero musical do país. Fascinado, Byrne lançou o compositor no mercado internacional por meio de seu recém-criado selo Luaka Bop. O disco “The Best of Tom Zé”, editado pelo próprio Byrne em 1990, foi aclamado pela crítica, ficando entre os dez melhores da década em todo o mundo, na avaliação da revista “Rolling Stone”.

Durante a década de 90, excursionou pela Europa e Estados Unidos com bastante sucesso, o que só se refletiu no Brasil em 1999, com o lançamento de seu CD “Com Defeito de Fabricação”. A partir daí, Tom Zé voltou ao cenário da música brasileira. O músico foi retratado no ótimo documentário “Fabricando Tom Zé” (2007), primeiro filme de Décio Matos Jr. O diretor paulistano conseguiu resgatar um bocadinho da figura de Tom, antes que algum cineasta estadunidense o fizesse. O documentário merece louvor por dissecar seu personagem sem excesso de distanciamento ou firulas dramáticas construídas. Pelo contrário, o longa é tão sincero quanto o músico, que não tem papas na língua e é um dos poucos medalhões da sua época que não perdem seu tempo em politicagens. Décio ainda teve a sorte de capturar Tom Zé esculhambando a produção do Festival de Montreux no seu show em 2005 e esbravejando sobre o tratamento dos estrangeiros com as culturas “subdesenvolvidas”. Foi glorioso!

Seu novo álbum, “O Pirulito da Ciência” é um título bem à moda Tom Zé: criativo, convidativo e provocante. Se você nunca o assistiu ao vivo, não o perca logo mais no Circo Voador com as favoritas: ”Vai (menina amanhã de manhã), “Mã”, “Um ‘Oh!’ e um ‘Ah!’”, “Nave Maria”, “Xiquexique” e “Quero samba, meu bem”.

As Irmãs Tesoura.

2010-07-31T19:38:00.000-03:00

Lembrando o antigo jingle de um banco que já não existe mais... "o tempo passa, o tempo voa" mas certas coisas permanecem, principalmente as boas. A chamada disco music teve seu auge no final década de 70 e foi responsável pela transição do flower power de Janis e Hendrix para os astros pop Michael e Madonna nos anos 80. O gênero oriundo do soul e do R&B catapultou o jovem John Travolta ao estrelato no célebre “Os Embalos de Sábado à Noite” (1977) e tomou conta das mais variadas pistas do mundo com petardos dançantes de Kool & The Gang a Bee Gees.  Passada a febre das discoteques, o ritmo perdeu seu posto de protagonista mas nunca mais foi esquecido. Sucesso garantido em nove entre dez festas de casamento, Abba, Ce Ce Peniston e The Village People ainda ganhariam uma bela homenagem na comédia musical “Priscilla, a rainha do deserto” (1994) que trouxe “I Will Survive” e Gloria Gaynor de volta a mídia planetária.  Na última década, quem faz questão de manter a pista animada e a “noite quente” é a banda americana Scissor Sisters . As “irmãs tesouras” – gíria para uma posição sexual entre mulheres – bebem diretamente da fonte setentista e chegam agora ao espetacular “Night Work” (2010), terceiro disco de um caminho trilhado sob o mantra disco. Batida firme, letras irreverentes e a energia contagiante dos shows da banda estão muito bem registrados neste álbum.  “Night Work” abre com a faixa homônima num beat tão contagiante que é capaz de tirar até os mais preguiçosos da frente da TV num domingo à tarde. Em “Whole New Way”, impossível não lembrar dos primeiros sucessos radiofônicos de Prince e George Michael ainda embalados pelos passinhos coreografados de Tony Manero. E o agito não para com “Fire With Fire”, “Invisible Light” e o single “Any Wich Way”. E pensar que “Night Work” nasceu da insatisfação de Jake Shears e Babydaddy – fundadores do Sisters – que, em 2009, jogaram fora canções e um disco inteiro prontos e partiram do zero novamente para chegar a esta obra prima que conquista uma cada vez mais numerosa legião de fãs, que levam muito a sério o termo “divirta-se!”.

Pareço moderno.

2010-07-11T22:29:00.000-03:00

Aberto no final do ano passado, o centro cultural Oi Futuro de Ipanema está hospedado em uma antiga central telefônica, em um imponente prédio art déco de dois andares e com uma programação de shows de nos fazer chorar de felicidade. O espaço já foi lotado pelos shows de Siba, Móveis Coloniais de Acaju, Mombojó, Orquestra Contemporânea de Olinda, OBMJ, Fino Coletivo, Curumim, Mundo Livre S/A, Tiê e outras boas alternativas da música brasileira. E com total compromisso em garantir nossa assiduidade: ingressos a modestíssimas 15 pilas. Um luxo! Hoje estará por lá a criativa banda da cena alternativa paulista Cérebro Eletrônico, para fazer jus às críticas derretidas ao seu mais recente trabalho, “Deus e o diabo no liquidificador”. A banda se apresentou em solos cariocas pela última vez no TIM Festival de 2008, e volta pras bandas de cá para o último show da turnê do antecessor e elogiadíssimo “Pareço moderno”. Esse show promete assumir a veia do novo álbum, que sonoramente é mais rock’n'roll, com as guitarras tomando um peso mais destacado. A banda sabe transformar uma série de referências, da psicodelia ao tropicalismo e a jovem guarda, em música que entende que o passado é só uma ponte para o que há de vir. Um lugar elegante e um show bacana. Curtam sentadinhos ou em pé na fila do gargarejo com os Cerebrais.

P.S.: E surpreendam-se com a participação especial de Lucas Santanna, mas não digam que contamos isso para vocês

É pra rir ou pra chorar?

2010-07-03T11:14:00.000-03:00

“Tristeza não tem fim / Felicidade, sim”. O verso de Tom Jobim e Vinícius de Moraes em “A Felicidade” logo me veio à cabeça com o fim da Copa do Mundo de futebol. Tudo bem que a final é somente daqui a uma semana, mas a verdade é que, para nós, sem a seleção brasileira, acaba aquele clima de mobilização e festa em dias de jogos. Se restava ainda algum interesse na competição, ele se foi com a torcida pela derrota dos nossos hermanos com a intenção única de não deixar brechas para gozações e a típica empáfia dos argetinos tomarem conta. No fim, o resultado deste somatório tristeza + argentinos dá em tango. O que me lembra do recém-lançado disco “Tango 3.0″ (2010) do Gotan Project. Apesar do nome – um anagrama da palavra tango – e da insistente releitura do ritmo portenho, o Gotan é um trio formado pelo francês Philippe Cohen Solal, o suiço Christoph H. Müller e Eduardo Makaroff, o único argentino. Se a reunião fosse time de futebol só teríamos derrotados tratando-se das respectivas seleções nesta Copa. Mas em “Tango 3.0″ os três se salvam, e muito bem. A começar pelo lançamento do single “La Gloria”, uma jóia pop que, não por coincidência, faz referência ao futebol com burburinhos de torcida e um trecho da narração de Victor Hugo Morales, um dos mais famosos comentaristas esportivos da Argentina. “Rayuela” faz uma homenagem à obra de mesmo nome do escritor argentino Júlio Cortázar, e apresenta o próprio declamando alguns trechos do livro em meio a um coral de crianças. “Tango 3.0″ traz ainda a voz cristalina de Cristina Vilallonga na faixa “Peligro” e o tom grave de Daniel Melingo em “Tu Misterio”. Dentro da agradável fórmula tango + eletrônica, citaria como trilha sonora dos dias que seguirão em Buenos Aires a bela “Desilusion”.

Cover is cool!

2010-06-20T21:54:00.000-03:00

Adoooooro!!! Esta expressão (com vários ooooos) - tão comum no mundo fashion atual - é a que melhor define o meu prazer em ouvir covers de canções pops mundo afora. Arranjos descontruídos, vozes e interpretações completamente diferentes das versões originais despertam em mim uma enorme surpresa e satisfação quando reconhecidas de sopetão numa audição sem compromisso ou mesmo por acaso numa viagem pela web. Lá em casa tem umas coisas como “Rock Swings” (2005), com o canadense Paul Anka em arranjos orquestrados de canções que habitavam os dials radiofônicos dos anos 80 e 90, assim como o “Pop in Swing” (2008) do septeto francês Pink Turtle, numa pegada mais jazzística de sucessos que você, sua mãe e, talvez, até o seu cachorro conheçam de cor. A lista é grande mas ainda lembraria de citar “Hollywood, Mon Amour” (2008) produzido por Marc Collin, um dos cabeças do Nouvelle Vague, grupo que já retrabalhou diversas canções dos anos 70 e 80 tornando-se, inclusive, uma referência para este tipo de releitura. Minha última alegria foi ouvir o segundo trabalho do duo americano Pomplamoose chamado “Tribute to Famous People” (2010). O nome do disco já diz muito. “La Vie En Rose”, celebrizada na voz de Edith Piaf, “Beat It” do megastar Michael Jackson, e “September”, do disco/soul Earth, Wind & Fire, ficaram excelentes na voz doce de Nataly Dawn, que trata dos arranjos e toca vários instrumentos, assim como o namorado Jack Conte. Para completar o serviço, o Pomplamoose – grapefruit ou pomelo em bom português – ainda grava tudo em vídeos simples e bem acabados que são postados numa página exclusiva no YouTube. Lá dá pra ver e ouvir as versões para “Telephone”, de Lady Gaga, e o beat gostoso que ganhou “Single Ladies”, de Beyoncé Knowles.

O jardim de Tulipa.

2010-06-06T17:29:00.000-03:00

De início, lembrei da antiga canção dos Titãs que diz: “as flores de plástico não morrem!”. A associação é simples, só um gancho para o lindo nome da cantora e compositora Tulipa Ruiz e seu disco de estréia: “Efêmera” (2010). Mas aí é que está. Apesar de ainda dar seus primeiros passos musicais, a aparição de Tulipa com este belo trabalho nada de efêmera parece ter. A começar pelo timbre muito particular de sua voz, bem diferente da insistente pasteurização em meio a tantas vozes femininas. Já li até sobre algumas comparações e semelhanças com a interpretação da iniciante Gal Costa em idos tempos dos discos “Gal” (1969) e “Legal” (1970). Faz muito sentido, é verdade. Mas prefiro me ater à atemporalidade presente na voz de Tulipa em interpretações delicadas, como em “Do Amor” ou na alegria pop de “Brocal Dourado”, cuja letra comemora a alegria de uma paixão bem tramada. Assim como imagino terem sido festivas e comemoradas as horas passadas em estúdio com a participação de tanta gente bacana e criativa da cena contemporânea. Ali mesmo em “Brocal” tem o synth de Donatinho, a bateria e percussão do franco-carioca Stephane San Juan e o coral nas vozes de Iara Rennó, Thalma de Freitas e Anelis Assumpção. Este sobrenome, aliás, diz muito da musicalidade de “Efêmera”. Anelis é filha do mestre “maldito” Itamar Assumpção, de quem Luiz Chagas, pai de Tulipa, foi guitarrista. Agora Luiz empresta seus dons à banda Pochete 7, ao lado do filho Gustavo Ruiz, que além de produtor do disco divide a composição da faixa tema “Efêmera” ao lado da própria irmã – Tulipa. Em meio a tantas outras participações, que vão do músico e produtor Kassin às cantoras Mariana Aydar e Céu em temas como a tropicalista “Sushi” e a valsa eletrônica “Pedrinho”, aqui em casa escolhemos uma: o pop rock “A ordem das árvores” é bom para dançar repetindo o refrão de que esta ordem “não altera os passarinhos”. Lembrando das associações simplistas lá do início, é música com selo “verde”, perfeita para ouvir cuidando do jardim e espalhar mais tulipas pelo caminho.

O mundão de Tita Lima.

2010-05-27T22:08:00.000-03:00

O nome do segundo disco da paulista Tita Lima “Possibilidades” (2010), dá uma boa medida da criativa cena contemporânea onde quase tudo é possível quando trata-se de música brasileira. Cantora e compositora, Tita avançou com sua musicalidade para além do cunho bossa-jazz-samba que rotulou seu primeiro trabalho – 11:11 (2006) – mas que acabou impulsionando sua carreira para além das nossas fronteiras. A experiência da turnê anterior em palcos americanos fez muito bem e é apresentada de forma maturada neste recém lançado disco que tem pitadas de pop, trip hop, indie rock e da tradicional atmosfera da MPB. A começar pela releitura de “Um Girassol da Cor do Seu Cabelo”, clássico de Márcio e Lô Borges sedimentado nos anos 70 entre os membros do Clube da Esquina. Na faixa “Mundo Pequeno”, Tita aproxima distâncias e pessoas, exatamente como a produção do disco que foi gravado em diferentes cômodos da casa dela e teve trechos de canções compostas e trocadas com os músicos via web. A estrada também deu asas a liberdade de compor “Smile” em inglês e de ainda prestar uma homenagem ao country rock americano no tema “Alex Future” que funciona como introdução para a viagem de “Jardim”, canção perfumada com flores imortais, saudade e amor. Em “Maria, tô pra voltar”, Tita – que herdou o sobrenome do pai e produtor musical Liminha – avisa que veio pra ficar e mostra que está pronta para fincar sua bandeira entre os mais recentes e belos nomes da nova MPB. Tapete vermelho pra ela!

Shhhhhh... É baixinho...

2010-05-19T23:45:00.000-03:00

Na primeira vez que se apresentou no Brasil, em 2001, Cat Power - pseudônimo da diva americana Chan Marshall - fez um show musicalmente decepcionante para os fãs, quando ainda enfrentava seus exageros cotidianos com álcool. Já na segunda, em 2007, Chan se redimiu e saiu aplaudida de pé das apresentações no TIM Festival, um ano após o lançamento de "The Greatest" (2006), seu mais recente e aclamado álbum de canções autorais, no qual se afasta da sonoridade folk e melancólica, que conquistou fãs e crítica em álbuns como "Moon Pix" (1998) e "You Are Free" (2003), para se aproximar com primor e charme ao blues e ao R&B. Nessa sexta-feira no Circo Voador, a arisca e suave Chan Marshall, com sua indefectível voz aveludada, está de volta para um show baseado no seu segundo e mais recente álbum de versões chamado "Jukebox" (2007), que é o oitavo da sua brilhante e intensa carreira. O vocal marcante e sussurrado da cantora marca o álbum todo, dando mais uma roupagem encantadora a canções famosas e desconhecidas, após seu primeiro "The Covers Record" (2000). Em "Jukebox", a cantora encarna James Brown em “Lost Someone” e Hank Williams em “Ramblin’ Woman”, além de reviver e engrandecer clássicos como “New York, New York” que ganhou o mundo com Frank Sinatra, “Don’t Explain” de Billie Holiday, “I Believe In You” de Bob Dylan e “Fortunate Son” do Creedence Clearwater Revival. A reinterpretação de “Metal Heart”, uma das melhores canções da própria Chan Marshall do álbum "Moon Pix", é majestosa. Não é a primeira vez que a cantora faz uma versão de si mesma – a faixa “Rockets” está presente em "Dear Sir" (1995) e em "Myra Lee" (1996). “Song To Bobby”, canção inédita escrita pela cantora em homenagem a seu grande ídolo Bob Dylan, é outra pérola que ajuda a transformar "Jukebox" em mais um grande álbum de Cat Power. A Festa PITADA acompanhará a diva - com a abertura de Clarah Averbuck e seu Oneyedcats que já apresentamos em novembro de 2009 - para dar aquele clima na pista e à essa noite de outono que promete ser encantadora sob a lona do Circo! Shhhhhh... para ouvirmos a Cat Power cantar baixinho...

No ziriguidum de Lurdez da Luz.

2010-05-15T21:49:00.000-03:00

Uma salva de palmas, por favor! Aqui vai mais um seríssimo candidato a melhor álbum do ano de 2010, logo na estréia solo da melhor MC do país - na opinião da PITADA, é claro -, Lurdez da Luz, que projetou seu talento com a banda Mamelo Sound System e ainda brilhou no projeto 3 Na Massa. Sua primeira incursão solo é coesa, com batidas dançantes repletas de brasilidade. A percussão marcante e o suingue envolvente já habilitam o álbum para as pistas de dança. Além do canto falado no melhor estilo Gil Scott-Heron, apresentado em faixas como “Ah Uh (Onomatopéias)”, a voz de Lurdez da Luz hipnotiza na sintonia da companhia do gogó de Jorge du Peixe, da Nação Zumbi, em “Corrente de Água Doce”. Lurdez da Luz fala de amor sem papas na língua como em “Eu sou o cara”, que serve de manual para os marmanjos entenderem com todas as letras como as mulheres gostariam que os homens se portassem em um relacionamento. Vai vendo! A rima marca presença em “Andei”, em que ela divide o brilhantismo com Stefanie, MC do ABC paulista. Já “Ziriguidum”, num dueto com Rodrigo Brandão, seu parceiro no Mamelo, adiciona uma batida mais jazzística ao caldeirão de ritmos do álbum, com o trompete de Rob Mazurek realçando a boa produção de Mike Ladd. Reforçando o time de primeira, ainda aparecem o jovem beatmaker Tiago Rump, Maurício Takara (Hurtmold) e Scott Hardy, que também produziu o Nação Zumbi e mixou essa pepita de Lurdez da Luz. É um álbum que nos remete às precursoras norte-americanas do gênero, como Roxanne Shanté, Lisa Lee e Sha Rock, do que se convém chamar de hip-hop, e lança Lurdez da Luz na seara das vozes femininas das boas alternativas da música brasileira.

Pra espalhar amor.

2010-04-25T22:17:00.000-03:00

Mafaro, num dialeto do Zimbábue, significa alegria. Assim garante o prolífico André Abujamra que na África buscou inspiração para criar o júbilo musical de Mafaro (2010), seu terceiro disco solo. Ainda integrante do duo Os Mulheres Negras e da banda Karnak – ativos após duas décadas de trabalho -, Abujamra compôs harmoniosamente uma enorme teia sonora que une retalhos de balkan beats, R&B, reggae, carimbó, viola caipira e batidas eletrônicas. “Origem” é a faixa abre-alas do enredo de Mafaro com banjo à la western macarrônico, metaleira soul e batida cigana, ratificando que a África é a mãe de todas as culturas. O caldeirão de referências segue em frente com a infusão de guitarrada e tons árabes de “Uma a Uma” e o batidão de “O Amor é Difícil”, com o amigo Evandro Mesquita abrindo o leque de participações que vão de Zeca Baleiro em “Lexotan” ao baiano Luiz Caldas no reggae de terreiro “Tem Luz Na Cauda Da Flecha”. O disco conta ainda com o rapper Xis e o compositor-baterista-cantor Curumim em “AbuXisCuruma”. Depois de tanta paulada sonora, pausa para mais uma reverência africana em “Logun Edé”, a beleza por trás de “A Pedra Tem Vida”, e a lindíssima poesia sobre asas de “Duvião” onde Abujamra reafirma sua missão mafariana: “eu vim pra esse mundo pra espalhar alegria, pra espalhar amor, pra ser feliz e sou”. Mafaro é uma dose cavalar de boas vibrações colhidas pela esponja mental de André Abujamra em insólitas viagens pelos cinco continentes, gerando uma química tão explosiva que, possivelmente, deu luz ao melhor disco do ano.

Menos é mais.

2010-04-17T22:26:00.000-03:00

"Menos é mais" foi a frase dita por Antônio Abujamra a Cláudia Dorei - e que sintetiza bem o universo de seu álbum de estréia, "Respire". O cotidiano, as conquistas amorosas, as mensagens positivas e as coisas do coração são temas da cantora carioca radicada em São Paulo há nove anos. Com muita leveza, Cláudia Dorei exibe toda a sua carga de influências, que passam por Portishead, Chet Baker e Air, com o seu toque pessoal de Trip-Hop Tropical. Produzido por ela mesma, com mixagem de Buguinha Dub e masterização de Gustavo Lenza, o álbum mantém uma linha delicada de efeitos que reforçam ainda mais toda a sua feminilidade. No apoio, destaque para as batidas bem marcadas do beatbox de MC THG e para os arranjos executados com talento por Gil Duarte, seja na flauta transversal, no trombone, na escaleta ou no saxofone. A banda é ainda completada pelos competentes Rogê Victor (baixo), Estevan Sinkovitz (guitarra) e a própria cantora, que empunha o trompete em algumas canções. Dentre as 11 faixas, destaque para “Pérolas”, cujo refrão talvez exemplifique toda a singeleza e simplicidade de um álbum feito por uma alma feminina, repleta de graça e sensualidade.

Dan Nakagawa, muito prazer.

2010-04-10T22:35:00.000-03:00

Depois da polêmica criada em torno da capa do disco “The Charque Sound of the Moon”, me perguntei: será que agora vão achar provocação publicar esta aqui? Sinceramente, não é. O que posso dizer é que o “The Charque…” é diretamente inspirado na capa original do disco do Pink Floyd e na gíria de rua paraense, origem dos autores daquela pérola. Já a imagem do excelente “O Primeiro Círculo” (2005) somente o nipo-brasileiro Dan Nakagawa pode explicar. Cantor, compositor e ator – com passagens pelo grupo Teatro Oficina, de José Celso Martinez Corrêa, novelas e séries da TV Globo –, Dan Nakagawa é o autor de todas as faixas do seu disco de estreia, com exceções para “Se essa rua”, cantiga infantil que, segundo ele, embalou muitas noites de sono do menino Dan, cantada sempre pelo pai, e da versão techno-funk de “Cotidiano”, de Chico Buarque. Com referências que vão dos sons eletrônicos à psicodelia tropicalista e à MPB, Dan é pop até a veia! Essa mistura de estilos, aliada a composições de letras simples e prazerosas, chamou a atenção de artistas como Jorge Mautner, Vanessa da Mata e Nando Reis, com quem Dan já gravou. Em “O Primeiro Círculo”, destaque para a participação da cantora Paula Lima (ex-Funk Como Le Gusta), no samba com roupagem eletrônica “Na Neblina do Samba”, e também para o folk viajandão “Deitado num Girassol”, a pegada rock para as pistas da segunda versão de “Medo e Coragem” e a participação da atriz Camila Morgado no poema “Apartamento 133″. Já a solitária “Um pouco de calor” despertou o interesse do cantor Ney Matogrosso, que regravou a música no seu “Inclassificáveis” (2008) – sucesso nas rádios paulistas e cariocas – e também participou da gravação do DVD que será lançado este mês, com o novo disco de Dan Nakagawa: “O Oposto de Dizer Adeus”.

O lado negro da força.

2010-03-27T22:47:00.000-03:00

Na publicidade, no comércio, no futebol, na moda e em muitos outros setores, o brasileiro se destaca, de modo geral, por sua inventividade e criatividade. Na música não é diferente. O mundo reverencia a genialidade de nomes como Caetano Veloso, Tom Jobim, Os Mutantes, Jorge Ben… E também Luiz Félix e Fabrício Jomar. Bom, talvez estes últimos não sejam ainda nomes muito conhecidos, mas tenho certeza que ao menos um dos seus legados já entrou definitivamente para o rol das grandes sacadas do mundo musical. Os dois integrantes do grupo paraense La Pupuña são responsáveis pela hilária releitura de um dos marcos da indústria fonográfica, o álbum “The Dark Side of the Moon” (1973), da legendária banda Pink Floyd. A apimentada versão regada a guitarrada, calypso e tecnobrega ganhou o sugestivo nome de “The Charque Side of The Moon” (2007). Isto porque charque é como os paraenses denominam a carne-de-sol mas também como referem-se, delicadamente, à genitália feminina. Não à toa a foto da capa. Releituras, mashups e remixes não são novidades no mundo da música. O próprio disco original já tinha ganhado uma versão reggae-dub protagonizada pelos novaiorquinos do Easy Star All-Stars, em 2003, quando a obra-prima do Floyd completaria 30 anos. Mas o que chama atenção no trabalho de Félix e Jomar, além da inimaginável combinação de ritmos paraenses ao rock psicodélico de Guilmor, Waters e cia, é a fidelidade com que as músicas foram gravadas, preservando a separação em diferentes canais, a ordem das faixas, os detalhes sonoros e invencionices. “Speak to Me/Breathe” anuncia a experiência com a introdução do som do motor dos barcos popopô, parte para o carimbó “Time” com os sinos da Basílica de Nazaré, seguindo com a clássica “Money” misturando galos e a guitarra de Mestre Vieira, as famosas risadas de Fafá de Belém em “Brain Damage”, finalizando em grande estilo com a lambada “Eclipse”. Brincadeira boa é pegar o original e ficar comparando os detalhes de cada música. Impagável!

Surpresa sua, surpresa minha.

2010-03-26T17:39:00.000-03:00

Vem de Recife uma das melhores surpresas desse começo de 2010. No final do ano passado, quando a Comadre Fulozinha lançava seu terceiro álbum "Vou Voltar Andando", Karina Buhr já se preparava para seu primeiro trabalho solo como outra mulher. "Eu Menti pra Você" prescinde das cirandas, cocos e maracatus da banda pernambucana que ela fundou e leva em frente desde o final dos anos 90. Karina concentrou a polivalência de percussionista, cantora, compositora, ilustradora e atriz – já cedida a nomes inspiradores como a banda Eddie e DJ Dolores, além de ter sido integrante do Teatro Oficina de Zé Celso Martinez por cinco anos – num disco que flerta com diversos estilos de uma maneira dissimulada, branda e autêntica, conferindo a única certeza: é um trabalho autoral até a raíz. Na faixa-título que abre o álbum, Karina chega avisando com uma voz calminha que é uma pessoa má. Sei... Difícil de crer. Até mesmo quando diz que a “fúria odiosa já tá na agulha” em “Esperança Cansa”, permeando caracaxá e gonguê em bases eletrônicas, ou na balada linda e torta que é “Mira Ira”. São várias mulheres de Karina Buhr, acompanhadas por uma banda de prodígios: Mau no baixo, Bruno Buarque na bateria, Dustan Gallas nos teclados e Guizado no trompete. As guitarras, quando aparecem, são de convidados sagazes: Fernando Catatau, do Cidadão Instigado, e Edgard Scandurra. Autora e personagens se confundem em faixas como “O Pé” ou “Bem Vindas”, que tem como destaques o piano e a sanfona de Marcelo Jeneci, e “Avião Aeroporto”, que tem em seu bojo motivos musicais únicos e interessantes. Há muito tempo eu esperava ouvir algo assim e fiquei feliz.

Suaves e amáveis excentricidades dançantes.

2010-03-18T19:11:00.000-03:00

Com influências do soul e funk britânico, o Hot Chip parte para o desconhecido no sucessor de “Made In The Dark” com seu quarto álbum de estúdio “One Life Stand”. Influenciados por Prince, Depeche Mode, Pet Shop Boys e até Susan Boyle, o álbum é mais um registro dos criativos londrinos que misturam indie com pop, eletrônico com rock, guitarras com sintetizadores, resultando num eletropop que é a cara dos nossos tempos. As dez faixas do álbum se encaixam perfeitamente, completando uma a outra, diferentemente do antecessor que trilhava o caminho oposto. A faixa-título no melhor estilo “game e leve" - “One Life Stand” - define como é o álbum: contagiante e redondinho. A surpresa fica por conta de “I Feel Better”, com intro pesada e marcante, que lembra o duo britânico Eurythmics. A semelhança da faixa com “I Dreamed a Dream”, canção do espetáculo Les Misérables, que se tornou conhecida graças a emocionante apresentação de Susan Boyle no programa American Idol, não é coincidência, bem como o refrão à la "La Isla Bonita" de Madonna também não é coincidência. Em entrevista a bíblia indie Pitchfork, o vocalista Alexis Taylor comentou que só espera não ser processado pelas “homenagens”. Sem revolucionar, Hot Chip consegue nos presentear com mais um ótimo álbum para o começo de 2010.

Acordando de sonhos intranquilos...

2010-03-05T09:59:00.000-03:00

Integrante do Manguebit nos anos 90 e cidadão-honorário carioca, Otto lançou no final do ano passado seu quarto álbum de composições inéditas "Certa Manhã Acordei de Sonhos Intranquilos", um álbum que destila mágoas sem perder a compostura. Separação é um tema tratado sem firulas em “Seis Minutos” e “O Leite”, em que Otto divide os vocais com a cantora Céu. Algumas das faixas sugerem sutilmente um viés romântico-popular, com a guitarra de Fernando Catatau (o Cidadão Instigado) flertando com o brega e a latinidade. Otto também faz sua homenagem explícita ao cancioneiro popular – e implícita a Jacob do Bandolim – com a regravação de “Naquela Mesa”. Produzido por ele e Pupillo (baterista da Nação Zumbi e um dos 3 Na Massa), o novo trabalho perpetua a tradição a sua maneira, colocando lado a lado percussão dos orixás e osciladores de frequência, sonhos intranqüilos e a leveza de levar a vida. “Meu Mundo Dança”, carregada de efeitos e com Lirinha, do Cordel do Fogo Encantado, dividindo os vocais, e “Agora Sim”, com um arranjo sensacional de cordas e metais junto a tambores incessantes, mostram onde este ótimo disco consegue chegar. É amanhã no Circo Voador e com abertura do 3 Na Massa, que merece outra postagem exclusiva sobre o projeto do trio.

Dando o que falar.

2010-02-23T01:53:00.000-03:00

Mistura de múltiplos significados, música de diferentes vertentes, poesia concreta, abstrata, realista. Referências afuniladas alcançam seu "Auge" no nome do disco de 2008. Palavras inspiradas na ótima - e hilária! - apresentação do próprio baterista Rafael Rocha da/do Tono, reunião dos tempos pretérito-presente-imperfeito-mas-que-perfeito de sua criação ao lado do guitarrista Bem Gil, filho do hômí Tropicália! A comparação temporal ganha mais sentido ainda na banda que, formada em 2007, tem na liberdade estética o seu principal pilar passeando sem medo por raps, bossas e pops orientais. O caldeirão se completa com as parcerias do baixista Bruno di Lullo (do também experimental grupo Binário), Leandro Floresta (teclado e flauta) e Ana Cláudia Lomelino, multiartista dedicada à dança, à fotografia e à manipulação digital, cuja voz já ganhou comparações à da cantora Nara Leão. Deste caleidoscópio sonoro surgem "Sonhador Sonâmbulo", a socializante e sonoramente onírica "Se Você Não Sabe" e a quase pop "Quando Você Dança", composição do "batera pra todas as horas" Rocha (Brasov, Rabotnik, Silvia Machete, Adriana Calcanhotto) apoiada ora sobre o coro, ora sobre a voz doce de Lomelino. Música para experimentar e viajar sem medo de bad trip!

Carnaval? Só se for agora!

2010-02-10T12:33:00.000-02:00

Levante a mão quem nunca perde o tradicional baile pré-carnavalesco da Orquestra Imperial! Então amanhã é a noite para você estrear sua fantasia com muito gingado no Circo Voador! Apesar de ter seu nome diretamente associado ao Carnaval, a formação de bambas nasceu no Dia dos Namorados de 2002, quando o grupo de amigos - leia-se Thalma de Freitas, Nina Becker, Moreno Veloso, Wilson das Neves, Nelson Jacobina, Pedro Sá e Kassin - se reuniu para o seu baile de debutante. Desde então, o coletivo levou seu carisma, alegria e ritmos contagiantes para várias temporadas na noite carioca, lançou em 2007 um EP homônimo e em seguida seu álbum de estréia, "Carnaval só ano que vem", fez turnês no exterior e, a despeito da grande formação e da carreira principal de cada um, continuam juntos. O repertório da Orquestra Imperial é extenso e varia a cada apresentação, bem como os convidados especiais no palco, desde a malemolência de canções como “O Mar E O Ar” e “Jardim De Alah” até o samba-sacana de “Ereção” e a nostalgia da gafieira de “Era Bom”. Há canções que não podem faltar no show, como as cantadas e dançadas “Obsessão” e “Sem compromisso”, "Fita amarela", de Noel Rosa, e “Eu Bebo, Sim” de Elizeth Cardoso, em que a Orquestra Imperial domina palco e público com sua instrumentação impecável. A confluência dos metais, guitarras, trompetes, percussões, piano, sopros e vozes é de uma harmonia pouco vista na música brasileira. Não custa ainda lembrar que, além de antigos sambas e marchinhas, o grupo também costuma levantar a platéia com suas versões absolutamente fora do comum para músicas de Yes, Black Sabbath e Iron Maiden! O baile do ano passado no Circo Voador se estendeu por quase quatro horas!

Mamãe passou açúcar em mim!

2009-12-19T12:13:00.000-02:00

O ano de 2009 ficou marcado pelo documentário "Ninguém Sabe o Duro Que Dei", a crônica definitiva sobre a épica ascenção e queda de Wilson Simonal (clique aqui pra ver o trailer). O filme gerou um debate cultural intenso no meio musical, que há muito tempo não se via. Debates inflamados em livros, jornais, revistas e blogs tentam entender o que realmente aconteceu naquele nebuloso período em que Simonal era o rei absoluto das paradas de sucesso e, ao mesmo tempo, o país entrava no período mais duro da ditadura militar. Para que o momento Simonal não seja perdido, o documentário chega em DVD pela Biscoito Fino. Os diretores Claudio Manoel, Calvito Leal e Micael Langer costuraram cenas de arquivo e depoimentos recentes, resultando em um filme equilibrado, que não toma partido de ninguém e repleto de sucessos do cantor. O imenso talento artístico de Simonal é explicitado, mas os realizadores não escondem que ele jogou sua vida e carreira no lixo quando seu lado truculento falou mais alto e o cantor mandou bater no contador que supostamente o estaria roubando. Ziraldo e Jaguar, do Pasquim, não tiveram dó em colocar Simonal nas páginas do jornal como se fosse funcionário dos milicos. Na trilha sonora, você encontrará as pérolas prediletas da PITADA na voz do Rei, tais como "Meu limão, meu limoeiro" e "Mamãe passou açúcar em mim".

Safra tipo reserva.

2009-12-13T01:02:00.000-02:00

O título acima refere-se à repercussão, entre público e crítica, do trabalho de Mallu Magalhães. E não à toa. Nos últimos dois anos, com apenas dois albúns lançados, Mallu chegou e se transformou rapidamente de fenômeno digital em figurinha fácil da mídia, inclusive com aparições dominicais no envelhecido Faustão. Neste curto espaço de tempo, já conhecemos duas Mallus: a menina adolescente e a adolescente mulher, o “Mallu Magalhães” e o também “Mallu Magalhães”, discos com o mesmo título porém com caminhos que, se não seguem direções opostas, já sinalizam novos horizontes musicais. Culpa talvez do efeito tão bem aplicado aos bons vinhos: quanto mais envelhecido, melhor. Porém, mais importante que o tempo, o tipo de uva, a terra e a temperatura ambiente são fundamentais para colher uma boa safra. Ingredientes que Mallu reúne com facilidade. Mallu Magalhães, que incialmente fez muito sucesso impulsionada pelos milhões de acessos a sua página no MySpace, parece saber exatamente o caminho a percorrer, como se já tivesse observado com velha sabedoria o vácuo sonoro que toma conta dos dials país afora. Mas Mallu é precoce mesmo e, como bom vinho, bastante sensível aos elementos que lhe rodeiam. Aos 12 anos de idade já cantava e escrevia suas primeiras estrofes, influenciada, em grande parte, pela paixão do pai pelo bom e velho rock’n’roll. E parece não haver outra explicação para Mallu, três anos depois, se lançar ao mundo com composições próprias cantadas na língua nativa do rock – o inglês – e tanto se parecer com Bob Dylan (descaradamente sua grande referência), Johnny Cash ou Belle & Sebastian. Dessa época, os grandes sucessos da rede foram “Tchubaruba” e “J1”, embalados por sua voz de doce menina e o violão com jeito de roda de amigos à beira da fogueira. Mas Mallu “envelhece” e caminha livre com o lançamento de “Mallu Magalhães” (2009). Apesar do título homônimo, as diferenças entre os dois discos são marcantes. O primeiro chegou às mãos do produtor Mário Caldato Jr. (Marcelo D2, Seu Jorge e Bebel Gilberto) praticamente pronto. O segundo ganhou a influência direta do músico e produtor Kassin (Caetano Veloso, Vanessa da Mata e Thalma de Freitas), que acompanhou de perto todos os ensaios. O primeiro percorreu os sonhos da menina adolescente no country “Don’t you leave me” e na poética “Get to Denmark”. O disco recém-lançado é preenchido de menos temor e mais amor trazidos pela convivência e namoro com o ex-Los Hermanos Marcelo Camelo, cuja presença é sentida no piano rock de “My Home is My Man” e nos assovios do próprio em “Compromisso”. Além do amadurecimento artístico e pessoal de Mallu, estes dois elementos são suportes fundamentais no seu passeio além-folk rock, com pitadas de metais no reggae “Shine Yellow”, no samba pop de “Versinho de Número Um” e até na delicada – valsa! – “É você que tem”. Mallu Magalhães, passou com louvor no temido teste do segundo disco, tanto que de independente chegou a uma “major” como a Sony Music. Mas isto é enfaticamente por merecimento. Mallu faz jus à barulheira da mídia e fãs com seu sucesso precoce e mostra não só aos donos do mercado fonográfico como também aos seus consumidores que o binônio talento artístico/trabalho depurado (afinal, ela começou cedo!) sacode qualquer estrutura empoeirada.

Deixa a nega gingar.

2009-12-03T11:39:00.000-02:00

Ao darmos aquela chacoalhada na árvore das boas alternativas da música brasileira, não caem apenas frutos, mas cantoras - e às pencas. Elas cantam e compõem bem, têm referências musicais extensas e sem preconceito, são charmosas e carismáticas e estão preparadas para encarar as mudanças latentes no mercado musical. Essa profusão de novos talentos, que ostentam os mesmos predicados, por vezes lança equívocos e, desses, poucas escapam. É o caso de Clara Moreno. Clara recém-lançou um álbum com mais identidade, mais estilo e mais feminilidade do que seu bem-sucedido antecessor. No seu primeiro álbum, "Meu samba torto", Clara Moreno foi apresentada como a filha da cantora e compositora Joyce e que começou a carreira com um álbum promissor e bem produzido. Com "Miss Balanço", Clara afirma sua liberdade musical com ousadia e frescor. Sua voz e interpretação estão mais soltas e autênticas, cercadas por arranjos complexos, e temperadas por melodias que riscam o salão. Seus sambas preenchem os espaços onde se reverencia a tradição e se apresenta a novidade. "Deixa a nega gingar" justifica o título do álbum com um ar pop irresistível e indisfarçavelmente contemporâneo. Quem ganha é o fã da música brasileira: enquanto outras se estapeiam por um lugar ao sol, Clara sorri com a certeza de que veio para ficar.

Sotaque praiano.

2009-11-29T01:10:00.000-02:00

O baiano Lucas Santtana, bem acostumado à areia e ao sol cariocas, é o compositor de mão cheia e mente repleta de boas idéias expressas em discos como “Parada de Lucas”, “EletroBenDodô” e “3 Sessions in a Green House”. O ex-flautista de Gilberto Gil – os sopros do célebre “Unplugged” são dele – pegou guitarra, mpc e samplers para criar canções que espelham toda sua intimidade com novas tecnologias e instrumentos simples, como o bom e velho violão. E foi no formato voz e violão que Lucas mergulhou para gravar um dos mais comentados discos de 2009: “Sem Nostalgia”. Mas, aqui, a bossa nova e a viola interiorana não encontram saudades porque são orquestradas com insetos comandados por softwares, filtros, diferentes pedais e microfones em canções como “Recado para Pio Lobato”, “Amor em Jacumã” e a excelente “Cira, Regina e Nana”. “Sem Nostalgia” balança entre o delicado sopro ao pé do ouvido e o vento de tempestade de verão que chega pra refrescar o quente da música brasileira.

Não é ré maior, nem ré menor: é remedinho!

2009-11-28T14:35:00.000-02:00

A frase acima é uma piadinha particular com o título de "Anormal" (2007), disco de estréia do cantor e compositor além-do-normal Jonas Sá. Mas aviso que a brincadeira fica somente no título deste post e na provável escolha de Jonas para "Anormal" abrir o disco, descrevendo a figura de um ser exótico e excêntrico com suas plumas e chapéu fenomenal. Jonas Sá é também fenomenal em "Mega" e em canções doces e poéticas como "Behind My Mind", cantada em inglês mesmo, e em pegadas mais vigorosas como "De Mim Pra Eu" e "Comunicação", cheias de guitarras sujas e bateria marcada, possivelmente herança do grunge nascido, em Seattle, nos idos anos 90. Qualquer anormalidade atribuída a Jonas Sá só pode encontrar eco na razão de que ele é o autor de todas as 13 excelentes faixas do disco, dividindo somente "Tenha Um Bom Dia" e "Apenas 1" com o escritor, cantor e compositor Mariano Marovatto. Impossível também citar o nome Jonas e não recordar do clássico "Mestre Jonas" de Sá, Rodrix & Guarabyra, cujo mestre completa a maioridade e se refugia dentro de uma baleia. Em "Anormal" Jonas Sá não só abandona a paz e o silêncio aclamado pelo trio, como convida a todos, na delicada "Entre Nós 2", a se transformar num único ser no seu oásis de anormalidade.

Bendito é o fruto.

2009-11-21T07:18:00.000-02:00

"Peixes Pássaros Pessoas" é um álbum para pistas, salões e quintais, onde o samba predomina e ao mesmo tempo tem seus domínios extrapolados. Os sambas de Mariana Aydar aparecem salpicados por cavaquinhos, violões de sete cordas, tamborins, reco-recos e ganzás que convivem harmoniosamente com teclados, guitarras e baixos sintetizados. Mariana Aydar consegue resultados arrebatadores em temas como a luxuriosa “Beleza”, num dueto com a cabo-verdiana Mayra Andrade, onde Mariana exalta o calor que a mantém acesa. E que casa maravilhosamente bem na sequência com o melhor samba do disco "Aqui em casa", em parceria com o namorado Duani, que tem pinta de samba para a história e que será lembrado por ter inaugurado um assunto. “Pras Bandas de Lá” é um samba-marcha com uma irresistível pitada Tropicalista e com o sabor da mulher brasileira. Aproveita a dica para este sábado à noite, temperada ainda pela discotecagem do comparsa Galalau, no Estrela da Lapa!

Sabe tudo e mais um pouco...

2009-11-17T13:59:00.000-02:00

"Nega" "Meu Gato Morreu"! "Era" "Tudo de bom": "Parque Recreio", "Vida Tarde", "Hora de Cuidar" da "Simone" que "Domina" o, aqui, "Dr. Sabe Tudo". Quer saber? Às favas com tudo isso: "Artista é o K"! Todas músicas do aclamado "Rubinho e Força Bruta", do cantor e compositor Rubinho Jacobina que a Festa PITADA recebe no palco nesta sexta-feira. Mas de Bruta só a Força do baixo de Pedro Sá, Bartolo e Bubu nas guitarras, e Domenico Lancelotti nas baquetas, que acompanham o doce Rubinho, no seu "Toc Toc" genial que mistura samba-pop-rock-debochado-carioca-de-ser. Resultado do grande artista (oops) que Rubinho é. Criatividade exposta também na reunião quase familiar da Orquestra Imperial, aglutinadora de uma das mais ricas e inventivas gerações da música brasileira. "Rubinho e Força Bruta" é uma "sinfonia do novo mundo, uma alegria de vitória de campeonato mundial!", como disse Jorge Mautner. Que em 2010 venha então o hexa com mais um álbum de Rubinho!

Usina sonora!

2009-11-14T20:31:00.000-02:00

É um pássaro? Um avião?? Não! É o arrasa-quarteirão Gogol Bordello! E ponha go! go! nisso!! A impressionante e teatral performance de palco dos caras cansa só de lembrar. É descomunal o vigor de suas apresentações, com todos os músicos dando o máximo sem parecer que há amanhã. O suor deixado no palco é tanto que transborda e contagia o público que quica e grita com músicas como "Not a Crime" e "Wonderlust King". E não foi diferente na noite do Festival Indie Rock realizado na Fundição Progresso. O liquidificador multiétnico chamado Gogol Bordello fez jus a fama de banda mais suada do mundo! Os caras adoram a alcunha e fazem uma prosaica exigência em suas turnês: washing machines!! Todos saem tão encharcados do palco que se deixar pra lavar o figurino no dia seguinte a fedentina não sai nem com creolina. Coitado de quem carrega as bagagens...

A brasilidade eletrônica do boTECOeletro.

2009-11-11T21:19:00.000-02:00

Música regional brasileira, samples, batucadas eletrônicas, loops e instrumentos acústicos. O percussionista Ricardo Imperatore juntou todos estes elementos, entre recortes e colagens sonoras, para criar a brasilidade eletrônica do boTECOeletro. Tudo começou com pequenas vinhetas que misturam inusitados trechos de Jackson do Pandeiro, As Baianas Mensageiras de Santa Luzia e Radamés Gnatalli com programações que utilizam samples das batucadas do Monobloco. Estas dez vinhetas se transformaram nas dez faixas que compõem o único álbum até aqui do projeto. Cinco anos após seu lançamento e batucando em meio-mundo, o tecnopop do boTECOeletro ainda representa uma manifestação estética original, que oxigena música eletrônica com referências fundamentais da música brasileira de ontem e de hoje. Neste domingo. Ao vivo. Na Urca. À noitinha. É imperdível.

RIOetc Musical - Viva a Lua!

2009-11-07T18:29:00.000-02:00

A partir deste sábado, a PITADA contribui com uma coluna semanal para o blog RIOetc da expert em tendências Renata Abranchs. Na estréia, a PITADA montou uma seleção musical para inspirar seus seguidores num brinde a essa belíssima lua que apareceu nos céus da Cidade Maravilhosa. Aproveite a visita e curta também a rádio que montamos para a RIOetc, dentro do projeto de desenvolvimento da identidade musical da marca desenvolvido pela PITADA.

Air pra ficar pensando melhor.

2009-11-02T19:52:00.000-02:00

Antes de qualquer gentileza, vamos tirar uma pedra do sapato: rotular música como “elegante” muitas vezes resvala no narizinho empinado. Mas aí a gente respira fundo, escuta o novo álbum do Air algumas vezes e pensa: fazê o quê? Doze anos depois de brilhar nos céus, pistas e arredores com “Moon Safari” - um álbum que toda a família deve ter em casa! -, o som desta dupla francesa continua: E-L-E-G-A-N-T-E. “Love 2” não é tão grandioso ou contemplativo quanto “Moon Safari”, mas é um álbum excepcional assim mesmo. O ápice chega na faixa “Be a bee”, que bota The Ventures, Joy Division e Velvet Underground trancados num quartinho escuro. Tem ainda “Missing the light” que remete ao melhor do Prince nos seus primórdios. Isto, é claro, até “Love 2” sossegar e encantar com “Love”, “You can tell it to everybody” e “Heaven’s light”. Parafraseando o Carlos Albuquerque, se Tom Jobim e Chico Science fossem fumar um charuto e tomar uma cerveja antes do almoço, eles ouviriam este álbum. Sabe por quê? Air é muito bom pra ficar pensando melhor!

Um ska-resgate de clássicos brasileiros.

2009-10-31T14:41:00.000-02:00

Senhoras e senhores, um pulinho à frente por favor: hoje tem show da Orquestra Brasileira de Música Jamaicana dentro do Mola no Circo Voador. A OBMJ foi idealizada pelo músico e produtor Sérgio Soffiatti e o trompetista Felippe Pipeta, cujo a idéia inicial era tocar música jamaicana de raíz, ska, rocksteady e early reggae, mas logo veio a inusitada (e muito bem-vinda!) sacação de tocar clássicos da música brasileira nesses estilos. A Orquestra aproveitou o cinqüentenário da Bossa Nova para incluir no repertório “Águas de março”, “O barquinho”, “Samba de verão” e “Garota de Ipanema” - uma beleza ao ser misturada ao clássico “Ghost Town” do The Specials. O EP homônimo de estréia apresenta essas e outras três músicas, iniciado por uma versão arrepiante de "O Guarani" de Carlos Gomes, que tanto apreciamos na volta da labuta na abertura da Hora do Brasil. O show do grupo promete honrar a tradição “skatalática”, misturando ska e jazz, com generosos espaços para improviso dos músicos, no melhor estilo gafieira-em-Kingston. Num mundo perfeito, teria Red Stripe à venda no Circo hoje à noite!

A pegada de Sambê.

2009-10-21T13:46:00.000-02:00

A partir dos anos 90, o manguebit de Chico Science, Fred 04, Otto, Eddie, Devotos e Mestre Ambrósio atraiu os refletores da mídia musical para Pernambuco e estendeu pontes para as várias ilhas culturais do estado. A música pernambucana foi percebida pela sua qualidade e diversidade e é hoje considerada uma das mais importantes, criativas e instigantes do país. Em seu álbum de estréia "Insano", Sambê mantém um pé na modernidade e outro nas tradições da música de raíz, do samba ao folclore pernambucano. Entre as faixas do álbum se destaca "Carnaval", gravada recentemente pela banda carioca Moinho. A pegada de Sambê faz jus ao grande Capiba, que diz que pernambucano tem uma quantidade de ritmos, gêneros e estilos que nenhuma terra tem. É Pernambuco cantando para o mundo!

Mergulhe no "Atlântico Negro".

2009-10-16T19:04:00.000-03:00

Em seu novo trabalho "Atlântico Negro", Wado dá continuidade a sua aproximação com a música da periferia. O álbum é assinado pela Pimba, o novo selo dos produtores Leonel Pereda e Ronaldo Bastos, que bebe na fonte para fazer diferente. Mergulhe neste primeiro videoclipe do álbum para a música "Pavão macaco", que conta com a performance da bela Lyndys Tereza sob direção de Glauber Xavier. "Boa tarde, povo" vai ferver a pista da PITADA!

O som colorido do Black Kids.

2009-10-12T20:17:00.000-03:00

Black Kids é a banda de guitarras dançantes mais legal a sair dos EUA desde os B-52’s. Eles são divertidos e engraçados e, apesar de soarem diferentes, são de Jacksonville, Flórida. Pois é, os Black Kids são uma surpresa atrás da outra. Assim como o seu único álbum até agora, o festivo “Partie traumatic”, que de traumatizante não tem nada, a não ser deixar em você marcas de alegria e descabelamento juvenil, além daquela vontade de cantar junto em todas as faixas. “I’m not gonna teach your boyfriend how to dance with you” é uma das faixas mais animadas e contagiantes do electro-rock recente.

Os variados tons de Céu.

2009-10-08T21:42:00.000-03:00

Existem bons motivos na complexidade e profundidade na música de Céu. Mesmo que as músicas do seu segundo álbum não fossem boas, a ousadia da cantora já garantiria respeito ao trabalho. Afinal, quantas novas cantoras tem a musicalidade para fazer um álbum tão complexo quanto "Vagarosa"? Tudo soa orgânico, num suspiro de sensualidade e presença. É indiscutível que sua música expressa a alma brasileira com muita feminilidade. A faixa “Nascente” é inegavelmente brasileira, mas não se faria estranha dentro de um álbum do trio Portishead. Dentre as releituras, “Visgo de Jaca” é um clássico samba de Martinho da Vila da década de setenta que vai fazer a sandália arrastar e o Circo voar amanhã à noite.

O fantástico mundo de João Brasil.

2009-09-14T19:50:00.000-03:00

O segundo vídeo de marketing viral para as bebidas Do Bem, produzido pela Hardcuore, tem trilha do tecnobrega João Brasil e ficou cariocamente genial! No vídeo, um DJ-bebedor Do Bem brinca de MPC, o mesmo tipo de sampler usado por Sany Pitbull nos seus mashups de funk e música pop. João Brasil está em turnê, desbravando o Velho Continente nas mais coloridas festas. "Baranga" do álbum "8 Hits" tem o sabor tropical do humor que a PITADA gosta!

MPB FM e PITADA.

2009-09-09T14:30:00.000-03:00

Saudações! A Festa PITADA ganhou, a partir desta edição de agosto, o apoio promocional da MPB FM 90,3: a estação de rádio carioca que sempre apostou nas novidades da música brasileira durante a programação. O Faro MPB dedicará um espaço exclusivo para apresentar, em primeira mão para seus ouvintes, o que vem sendo produzido de novo e com qualidade na nossa música através da PITADA. Ouça aqui a vinheta do Dom Braga que estreou esta parceria. As chamadas vão ao ar nas quintas-feiras vésperas das Festas PITADA. E confira também a nova campanha da rádio: MPB É TUDO. Estamos aí!

Ao gosto de Dom Braga & A Swingueira Fantástica.

2009-09-05T18:51:00.001-03:00

O balanço, carisma e simpatia de Dom Braga & A Swingueira Fantástica fizeram a moçada riscar o salão da PITADA de agosto. Dom Braga trouxe para o palco músicas do seu álbum de estréia "Trabalhe essa idéia", lançado em 2007. O álbum chegou ao mercado assim como o Zé de “Música de Lavadeira”: sem muita pressa, mas com a certeza de ficar. "Imagem" e "Odete" não deixam ninguém parado na pista da PITADA. Até a próxima Dom!

Toca Raul!

2009-09-04T18:37:00.000-03:00

A edição de agosto da revista Rolling Stone estampou a parceria de Raul Seixas e Paulo Coelho na capa: "Apresentei Raul às drogas, às sociedades secretas. Será que fiz bem?" A música do Maluco Beleza não é unanimidade nacional, mas seu primeiro álbum solo "Krig-ha, bandolo!" (1973) é um dos álbuns atemporais e influentes na música brasileira. Aliás, o título faz referência ao grito de guerra de Tarzan que significa "Cuidado, aí vem o inimigo!", conhecido à época nas revistas em quadrinhos da EBAL. "Rockixe" e "Mosca na sopa" sempre animam o lado roque enrow - como canta a musa Rita Lee - da PITADA. Neste ensejo, confira aí a primeira parte da última entrevista com Raul feita no Programa do Jô em 1989.

Vai PITADA!

2009-09-01T17:54:00.000-03:00

Salve Salve! Nada melhor para uma primeira publicação do que esta espontaneidade-coletiva que rolou no Sasquatch Festival em maio de 2009. A alegria destes foliões nos contagiou. A Diretoria de Clima agradece ao som de "Unstoppable" da nova-iorquina Santogold do seu álbum homônimo lançado em 2008. Confira também "L.E.S. Artistes" que tem lugar cativo nas carrapetas da PITADA. Pausa a rádio ali embaixo rapidinho e toca o filme! Inté!